Erik Rören, f. 1972, Sverige
Signe Johannessen, f. 1978, Norge, verksam i Sverige
Som duon Rören/Johannessen utforskar vi offentliga rum genom deltagande processer, publika undersökningar och tvärvetenskapliga allianser. Jordens föränderlighet och det planetära läget formar vår praktik, där skulpturala och sociala manifestationer öppnar för nya tankesätt och gemenskaper. Platsens behov, mänskliga och icke-mänskliga, leder oss mot storskaliga verk som stör maktordningen, väcker nyfikenhet och förflyttar tolkningsprivilegier.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e243.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Erik Rören, 1972, Sweden
Signe Johannessen, 1978, Norway, based in Sweden
As the duo Rören/Johannessen, we explore public space through participatory processes, public inquiry, and cross-disciplinary alliances. Earth’s instability and our planetary condition shape our practice, where sculptural and social manifestations open new ways of thinking and forming communities. The needs of human and more-than-human inhabitants guide site-specific processes that generate large-scale works which unsettle dominant power dynamics, spark curiosity, and expand interpretation.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Rören/Johannessen","publishDate":1776174882468}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92c4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7194f.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Rören/Johannessen, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.e1b4aa019e62f4e33d58/1779780456116/archive.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"The Uncanny Kaleidoscope – Archiving Peak Oil consists of the shell of a Volkswagen. The car’s parts are opened, separated and exhibited, like an insect specimen pinned in a display case. Rören/Johannessen contemplate the car as a body from the fossil era. What once symbolized movement, growth and freedom is presented here as an object in a natural history museum. In their work, the artists explore how we collect, arrange and try to understand the world by categorizing it. The work raises questions about what is preserved, what disappears, and how our oil-dependent history may one day be viewed.
"}}],"title":"The Uncanny Kaleidoscope – Archiving Peak Oil","publishDate":1778060275425,"properties":{"id":"OA2633","owner":"","address":"Outside St. Nicholas Church","epoch":"","material":"Metal, sculpture made from the shell of a Volkswagen","number":33,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2117352628,59.2723195095,0],"publishDate":1778060275425,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7194f.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Rören/Johannessen, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.e1b4aa019e62f4e33d58/1779780456116/archive.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"The Uncanny Kaleidoscope – Archiving Peak Oil består av skalet från en Volkswagen. Bilens delar öppnas, separeras och visas, likt ett insektsexemplar nålat i en monter. Rören/Johannessen betraktar bilen som en kropp från den fossila eran. Det som en gång symboliserade rörelse, tillväxt och frihet framträder här som ett objekt på ett naturhistoriskt museum. I sitt arbete intresserar sig konstnärerna för hur vi samlar, ordnar och försöker förstå världen genom att kategorisera den. Verket väcker frågor om vad som bevaras, vad som försvinner och hur vår oljeberoende historia en dag kan komma att betraktas.
"}}]},{"name":"Ask Anything","properties":{"id":"OA2601","owner":"","inauguration":2026,"address":"Örebro konsthall, Nygatan 7","accessibility":["Rullstol"],"epoch":"","material":"Utställning med flera verk","number":1,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2079475674,59.2718456097,0],"publishDate":1776328192195,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b8e0.html"},"artist":{"name":"Varvara & Mar","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000335,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Varvara Guljajeva, 1984, Estland
Mar Canet Sola, 1981, Spanien, verksam i Estland
Vi är Varvara & Mar, en konstnärsduo grundad 2009 av Dr. Varvara Guljajeva och Mar Canet. Vi arbetar i mötet mellan konst, teknologi och samhälle. För oss är teknologin både ett verktyg och ett ämne i sig: vi använder den praktiskt samtidigt som vi granskar dess löften, ideologier och blinda fläckar. I vår praktik undersöker vi hur den snabba teknologiska utvecklingen förändrar våra liv, vår perception, vår kommunikation, våra relationer och vår omgivning – och vad det innebär att vara människa i dessa förskjutna villkor.
Just nu står artificiell intelligens i centrum för vårt arbete, både som kulturellt fenomen och som ett material att tänka med. Våra projekt fungerar som fallstudier för kreativa och meningsfulla sätt att använda AI och andra nya teknologier. Vi rör oss genom den enorma datamängd som dagens samhälle producerar och söker sätt att omvandla den till upplevelser som väcker eftertanke snarare än att bara tillföra ännu mer information. Jean Baudrillard skrev att vi lever i en värld med ”mer och mer information och mindre och mindre mening”; för oss är konsten ett sätt att stå emot detta genom att sakta ner, skapa sammanhang och återkroppsliga data. Vi är särskilt intresserade av hur kultursektorn kan öppna kritiska samtal om AI, nya former av bild- och textproduktion och vårt växande beroende av högteknologiska infrastrukturer.
En lika viktig del av vår praktik är relationen till naturen. Vi ser inte natur och teknologi som motsatser, utan som samarbetspartners och spänningsfält. Vi utforskar möjliga symbioser mellan det organiska och det artificiella och undersöker hur samexistens – och till och med hybridisering – kan se ut i vår neurala tidsålder. Genom artificiella landskap, miljömotiv och spekulativa ekologier, skapade med AI och andra digitala verktyg, undersöker vi hur teknologiska system omformar våra föreställningar om landskap, ekologi och det ”naturliga”.
Genom att arbeta praktiskt med dessa frågor, snarare än enbart teoretiskt, söker vi en djupare förståelse för de processer som formar vår tid. Våra installationer, interaktiva verk och syntetiska miljöer bjuder in publiken att kliva in i situationer där natur och beräkning, kroppar och dataset, materiella och virtuella rum möts och kolliderar. På så sätt vill vi skapa platser för eftertanke, samtal och en förfinad känslighet inför de sammanflätade framtiderna för teknologi, kultur och miljö.
Varvara Guljajeva, 1984, Estonia
Mar Canet Sola, 1981, Spanien, based in Estonia
We are Varvara & Mar, an artist duo established by Dr Varvara Guljajeva and Mar Canet in 2009, working at the intersection of art, technology, and society. Technology is not only our medium but also our subject: we use it as a tool while simultaneously questioning its promises, ideologies, and blind spots. Our practice asks how our lives, perception, communication, togetherness, and environment are altered by rapid technological development and what it means to be human inside these shifting conditions.
Currently artificial intelligence is a central focus in our work, as both a cultural phenomenon and a material to think with. Our projects aim to provide case studies for creative and meaningful uses of AI and other emerging technologies. We explore the vast wilderness of data produced by contemporary society and look for ways to transform it into experiences that generate reflection rather than just more information. As Jean Baudrillard noted, we inhabit a world where there is “more and more information and less and less meaning”; for us, art is a way to resist this condition by slowing down, contextualizing, and re-embodying data. We are particularly interested in how the cultural sector can open critical conversations about AI, new forms of image and text production, and our growing dependence on high tech infrastructures.
Equally important to our practice is our relationship to the natural world. We approach nature not as something opposed to technology but as a collaborator and tension field. We investigate possible symbioses between the organic and the artificial, asking how coexistence—and even hybridization—might look in today’s neural age. Through artificial landscapes, environmental motifs, and speculative ecologies generated with AI and other digital tools, we explore how technological systems rewrite our ideas of landscape, ecology, and the “natural”.
By engaging with these issues in practice rather than only in theory, we seek a deeper understanding of the processes shaping our time. Our installations, interactive works, and synthetic environments invite audiences to step into scenarios where nature and computation, bodies and datasets, material and virtual spaces collide. In doing so, we hope to create spaces for contemplation, dialogue, and renewed sensitivity to the intertwined futures of technology, culture, and the environment.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Varvara & Mar","publishDate":1776175325992}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92d4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71702.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Varvara & Mar, exhibition with multiple artworks.
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.25b3fb9819dd7732d231c32/1778240247559/askanything2.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"During OpenArt 2026, Örebro Art Gallery is presenting an extensive exhibition featuring Varvara & Mar, an international artist duo that has been exploring the intersection between art and technological systems since 2009.
For this exhibition, Ask Anything, the duo explores themes such as artificial intelligence, and switches focus between fascination with the possibilities of the technology and a critical reflection on its effects. The duo creates situations that activate the audience and uncover the relationships between human, nature and machine. In the work Keep Smiling, the audience undergoes a fictitious job interview in which AI only assesses how much the participant smiles and fires anyone who doesn’t reach the right level.
"}}],"title":"Ask Anything","publishDate":1777889330895,"properties":{"id":"OA2601","owner":"","inauguration":2026,"address":"Örebro konsthall, Nygatan 7","accessibility":["Rullstol"],"epoch":"","material":"Exhibition with multiple artworks","number":1,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2079475674,59.2718456097,0],"publishDate":1777889330895,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71702.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Varvara & Mar, Utställning med flera verk
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.25b3fb9819dd7732d231c32/1778240247559/askanything2.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Under OpenArt 2026 presenterar Örebro konsthall en omfattande utställning med Varvara & Mar, en internationell konstnärsduo som sedan 2009 har utforskat mötet mellan konst och teknologiska system.
Till denna utställning, Ask Anything, utforskar duon teman som bland annat artificiell intelligens, och växlar fokus mellan fascination inför teknikens möjligheter och en kritisk reflektion över dess effekter. Duon skapar situationer som aktiverar publiken och synliggör relationer mellan människa, natur och maskin. Bland annat får publiken i verket, Keep Smiling genomgå en fiktiv anställningsintervju där en AI enbart bedömer hur mycket deltagaren ler och avskedar den som inte uppnår rätt nivå.
"}}]},{"name":"Avvolgimento del corpo","properties":{"id":"OA26KU","owner":"","address":"Kumla","epoch":"","material":"Betongliknande material","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.161172705,59.1262952565,0],"publishDate":1777474297030,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7170.html"},"artist":{"name":"Alexander Creutz","yearofbirth":1989,"publishDate":1765522800390,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1981, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11168/1777982922303/Pressbild%20Alex%20Creutz.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Mitt konstnärskap grundar sig i ett undersökande av konsthistorien. Jag tror att det är en konsekvens av att nästan allt jag gör om dagarna kretsar kring konst och konsthistoria så har min konstnärliga praktik också börjat att handla konst. I ett av mina senare projekt har jag återskapat egna versioner av målningar som stulits från museer runt om i världen och på så sätt försökt återföra försvunna verk till det allmänna. Jag ser det också som ett humoristiskt sätt att föra in mig själv i konsthistorien.
Jag har genom hela mitt konstnärskap varit intresserad av händer, dels hur händer har målats och skulpterats genom historien, jag har också sätt händer som ett intressant porträtt av en människa, vi har så lätt läsa ett ansiktsuttryck, vi ser direkt om någon är glad eller ledsen medans det är svårt att läsa av en sinnesstämning från ett par händer men för mig är de lika mycket ett porträtt av en person som ett ansikte.
Jag ser mig själv främst som en målare men alla idéer funkar inte tvådimensionellt och då måsta man våga använda det material som konstverket behöver varade sig det är film eller skulptur.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1981, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11168/1777982922303/Pressbild%20Alex%20Creutz.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"My artistic practice is rooted in an exploration of art history. I believe this is a consequence of the fact that almost everything I do revolves around art and art history, which has led my artistic work to also become about art itself. In one of my recent projects, I recreated my own versions of paintings that have been stolen from museums around the world, attempting in this way to return missing works to the public. I also see it as a humorous way of inserting myself into art history.
Throughout my artistic career, I have been interested in hands, partly in how hands have been painted and sculpted throughout history, but also in hands as an intriguing kind of portrait. We can easily read a facial expression; we immediately see if someone is happy or sad, while it is much harder to read an emotional state from a pair of hands. Yet to me, they are just as much a portrait of a person as a face is.
I primarily see myself as a painter, but not all ideas work in two dimensions, and then one must dare to use the material the artwork requires, whether that is film or sculpture.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Alexander Creutz, sculpture.
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.25b3fb9819dd7732d231c33/1778240247631/avvolgimentodelcorpo.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A sculpture is standing on a podium, completely shrouded in cloth. What seems to be a classical monument is hidden – as if it is waiting for its moment, or its moment has already passed. A figure lingers – a spectre of something that once stood proud and steadfast. The covered figure may be something that needs to be protected, or something we no longer want to see. Alexander Creutz often draws on art history in his work and examines how images and symbols change over time. What emerges here is a shadow of history that simultaneously questions what is permitted to inhabit the public space today.
"}}],"title":"Avvolgimento del corpo","publishDate":1777892777143,"properties":{"id":"OA26KU","owner":"","address":"Kumla","epoch":"","material":"Concrete‑like material","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.161172705,59.1262952565,0],"publishDate":1777892777143,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71710.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Alexander Creutz, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.25b3fb9819dd7732d231c33/1778240247631/avvolgimentodelcorpo.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En skulptur står på ett podium, helt insvept i tyg. Det som liknar ett klassiskt monument är dolt – som om det väntar på sitt ögonblick, eller redan har passerat det. En gestalt dröjer kvar, ett spöke av något som en gång stod stolt och stadigt. Det täckta kan vara något som behöver skyddas, eller något vi inte längre vill se. Alexander Creutz utgår ofta från konsthistorien i sitt arbete och prövar hur bilder och symboler förändras över tid. Här framträder en skugga av historien som samtidigt ifrågasätter vad som får ta plats i det offentliga rummet idag.
"}}]},{"name":"Bedårande förflyttning","properties":{"id":"OA2640","owner":"","address":"Nikolaikyrkan","epoch":"","material":"Kartong, papier-maché, silikon","number":40,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2110798121,59.2722795584,0],"publishDate":1779793545645,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7144.html"},"artist":{"name":"LILITH","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000284,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Elin Lundgren, f. 1973, Sverige
Petter Pettersson, f. 1972, Sverige
LILITH bygger bildvärldar, genom intuitiva collage-liknande processer med performance, fi lm, text, ljud och skulpturala installationer.
Under de senaste åren har LILITHs arbete i stor utsträckning kretsat kring mänskliga inre tillstånd och normbrytande drivkrafter där självuppfunna riter och ceremonier blivit en viktig sammanhållande del. Riter som skapar mening och tillhörighet – både vid dramatiska vändpunkter och i vardagliga situationer.
Riten och ceremonierna kan förstås som regelverk i spel, lekar och sceniska presentationer i alla dess former. LILITHs intresse för riten riktas mot dess betydelse både ur ett mikroperspektiv – för att hålla samman den lilla gruppen såsom familjen, vänkretsen eller sekten – och ur ett globalt perspektiv, där religion, nation och i förlängningen hela arten blir centrala för människans drivkraft att överleva.
LILITH föreslår alternativa tankemönster till den överenskomna verklighet som vi frivilligt eller ofrivilligt inordnar oss i. Det är mörka men ofta humoristiska världar där normerna är tvetydiga och motsägelsefulla, där reglerna drar åt olika håll och där betydelsen ofta uppstår i det mellanliggande snarare än i det direkt begripliga. Här är det som sker i tanken och drömmen lika sant som det som pågår i den yttre världen.
I grunden kretsar LILITHs konstnärliga arbete kring allmänmänskliga frågor som utanförskap, kärlek, saknad och sorg, med en strävan efter att tränga in i betraktarens medvetande som en störning, och därigenom närma sig frågan om vad det innebär att vara människa.
LILITH är konstnärsduon Elin Lundgren (f. 1973 i Stockholm, bor och verkar i Linderöd och Malmö) och Petter Pettersson (f. 1972 i Kristinehamn, bor och verkar i Linderöd och Malmö). Duon har arbetat tillsammans med bild- och scenkonst i olika former sedan 1999 och har visat sina verk både i Sverige och internationellt, senast på CHART 2025, Avesta Art, Södertälje Konsthall, Malmö Konstmuseum och Tomelilla Konsthall.
År 2007 grundade duon Lilith Performance Studio – en hyllad och oberoende arena för praktisk konstnärlig forskning med inriktning på nyproducerade storskaliga konstperformance av inbjudna konstnärer från hela världen.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.79127a5519d8aca350b670.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Elin Lundgren, 1973, Sweden
Petter Pettersson, 1972, Sweden
LILITH builds visual worlds through intuitive, collage-like processes using performance, film, text, sound and sculptural installations.
In recent years, LILITH’s work has largely revolved around human inner states and norm-defying impulses, where self-invented rites and ceremonies have become an important unifying element. Rites that create meaning and belonging – both at dramatic turning points and in everyday situations.
Rites and ceremonies can be understood as sets of rules in games, play and staged presentations in all their forms. LILITH’s interest in ritual is directed toward its significance both from a micro-perspective – as a way of holding together small groups such as families, circles of friends or sects – and from a global perspective, where religion, nation and ultimately the entire species become central to the human drive for survival.
LILITH proposes alternative patterns of thought to the agreed-upon reality that we, willingly or unwillingly, adapt ourselves to. These are dark but often humorous worlds where norms are ambiguous and contradictory, where rules pull in different directions, and where meaning often arises in the in-between rather than in what is immediately comprehensible. Here, what happens in thought and dream is just as true as what takes place in the external world.
At its core, LILITH’s artistic work revolves around universal human themes such as alienation, love, longing and grief, with an ambition to enter the viewer’s consciousness as a disturbance, and through that approach the question of what it means to be human.
LILITH is the artist duo Elin Lundgren (b. 1973 in Stockholm, based in Linderöd and Malmö) and Petter Pettersson (b. 1972 in Kristinehamn, based in Linderöd and Malmö). The duo has worked together with visual and performing arts in various forms since 1999 and has exhibited their works both in Sweden and internationally, most recently at CHART 2025, Avesta Art, Södertälje Konsthall, Malmö Konstmuseum and Tomelilla Konsthall.
In 2007, the duo founded Lilith Performance Studio – a celebrated and independent arena for practical artistic research focused on newly produced large-scale performance works by invited artists from around the world.
"}}],"title":"LILITH","publishDate":1776869313095}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9264.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7171e.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"LILITH, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.4a0402b219e63064a70d9/1779793546429/bed%C3%A5randef%C3%B6rflyttning.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A smaller arm and foot made of cardboard, papier-mâché and silicone are displayed in St. Nicholas Church. The work is part of Captivating Movement (2024), a performance in which oversized body parts are carried in a mourning procession through the halls of Malmö Art Museum. Here they lie still, but carry with them the memory of movement. The sculpture is a ritual tribute to our bodies’ physical and mental changes – what we must deal with every day in order to move through life. The artist duo LILITH sees the rite as something that holds people together, in small circles and in larger communities where faith and belonging play a crucial role.
"}}],"title":"Adorable movement","publishDate":1777892818772,"properties":{"id":"OA2640","owner":"","address":"Inside St. Nicholas Church","epoch":"","material":"Cardboard, papier-maché, silicone","number":40,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2110798121,59.2722795584,0],"publishDate":1777892818772,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7171e.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"LILITH, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.4a0402b219e63064a70d9/1779793546429/bed%C3%A5randef%C3%B6rflyttning.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Nikolai kyrka visas en mindre arm och fot i kartong, papier-maché och silikon. Verket är en del av Bedårande förflyttning (2024), ett performance där överdimensionerade kroppsdelar bars i sorgetåg genom Malmö konstmuseums salar. Här ligger de stilla, men bär med sig minnet av rörelse. Skulpturen är en rituell hyllning till våra kroppars fysiska och psykiska förändringar – det vi dagligen måste förhålla oss till för att ta oss fram genom livet. Konstnärsduon LILITH ser riten som något som håller människor samman, i den lilla kretsen och i större gemenskaper där tro och tillhörighet spelar en avgörande roll.
"}}]},{"name":"Bergens själ","properties":{"id":"OA2603","owner":"","inauguration":2026,"address":"Bakom Kulturkvarteret, Fabriksgatan 4","epoch":"","material":"Trä, Papier-maché","number":3,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.206792559,59.2722011213,0],"publishDate":1776328141435,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b8fa.html"},"artist":{"name":"Sanaz Hakimi","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000315,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Afghanistan, verksam i Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11182/1777982933689/Sanaz-Hakimi.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Som skulptör och multidisciplinär visuell konstnär utforskar jag mötet mellan tradition och samtida uttryck. Mina verk är inspirerade av Bamiyans berg och den historiska Sidenvägen, med vissa symboler som är resultatet av min personliga tolkning och fantasi. Varje verk, gjort med enkla material, kombinerar textur, form för att bjuda in betraktaren till en reflekterande upplevelse.
I ett av de inskickade verken spegla rösterna från kvinnor i mitt land, vilket är en del av mina konstnärliga mål.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e2aa.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Afghanistan, based in Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11182/1777982933689/Sanaz-Hakimi.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"As a sculptor and multidisciplinary visual artist, I explore the intersection of tradition and contemporary expression. My works are inspired by the heart of the Bamiyan mountains and the historic Silk Road, with some symbols resulting from my personal interpretation and imagination. Each piece, made with simple materials, combines texture, form to invite the viewer into a contemplative experience.
In one of the submitted works, the voices of women from my country are reflected, which is part of my artistic goals.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Sanaz Hakimi","publishDate":1776176017281}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92b4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7172c.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Sanaz Hakimi, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b1c/1778240247723/Bergens%20Sj%C3%A4l.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Artist Sanaz Hakimi takes inspiration from the Bamiyan Mountains and the historic Silk Road, where images and sculptures from different eras bear witness to how cultures have met and changed over time. The Soul of the Mountain can be seen as a messenger from these landscapes. A strange shape emerges from the material and becomes a figure that resembles both a human and a goat. It carries many layers of memories from its homeland and brings with it myths into our own time.
"}}],"title":"The Soul of the Mountains","publishDate":1777904622015,"properties":{"id":"OA2603","owner":"","inauguration":2026,"address":"Behind Kulturkvarteret, Fabriksgatan 4","epoch":"","material":"Wood, papier-maché","number":3,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.206792559,59.2722011213,0],"publishDate":1777904622015,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7172c.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b1c/1778240247723/Bergens%20Sj%C3%A4l.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Konstnären Sanaz Hakimi hämtar inspiration från Bamiyans berg och den historiska Sidenvägen, där bilder och skulpturer från olika epoker vittnar om hur kulturer mötts och förändrats över tid. Bergens själ kan ses som en budbärare från dessa landskap. En märklig gestalt växer fram ur materialet och blir till en figur som påminner om både människa och get. Den bär på många lager av minnen från sin hemtrakt och för med sig myter in i vår egen tid.
"}}]},{"name":"Cinder Oasis","properties":{"id":"OA2614","owner":"","address":"Konsthantverkarna, Järntorgsgatan 2","epoch":"","material":"Trä, betong, sand, spackel, akryl, parianporslin, dioder, speglar, filter","number":14,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2113592824,59.2751246523,0],"publishDate":1776332934304,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350ba31.html"},"artist":{"name":"Oscar Furbacken","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000334,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1980, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117f/1777982932204/OscarFurbacken-portrait_52-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Konstnären Oscar Furbacken, föddes i Göteborg 1980. Som konstnär skapar han illusoriska titthålsobjekt, mikroskulpturer och fotobaserade projekt. Hans immersiva installationer av naturmiljöer använder ofta skala och subtil ljussättning för att väcka frågor om hur vi uppfattar världen omkring oss.
Genom att skildra förbisedda mikrokosmos i gatuhörn som storslagna landskap erbjuder konstnären ett nytt perspektiv på natur och urbanitet. En stor del av hans produktion betonar svampars och mossors nyckelroller i planetens olika ekosystem. Vissa svampar är anpassade för att utvecklas direkt efter skogsbränder, och vissa mycel kan återuppliva förorenade områden och därmed möjliggöra att liv och biologisk mångfald återvänder efter en katastrof. Genom att synliggöra skörheten hos organismer vi ofta tar för givna uppmanar Furbackens verk oss att reflektera över och överväga vår påverkan på den naturliga värld som vi alla är beroende av.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e204.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1980, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117f/1777982932204/OscarFurbacken-portrait_52-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Born in Gothenburg, Sweden 1980, the artist Oscar Furbacken makes illusory peep-hole objects, micro sculptures and photo-based projects. His immersive installations of natural sceneries often involve the use of scale and subtle lighting to raise questions on how we perceive the world around us.
By portraying overseen microcosms of street corners as grandiose sceneries the artist proposes a new perspective upon nature and urbanity. A major part of the artists production emphasizes the key role of fungi and moss in the various ecosystems of our planet. Some fungi are adapted to evolve right after forest fires and certain mycelium can invigorate toxic wastes sites, thus allowing for life and biodiversity to return after a catastrophe. By visualizing the fragility of organisms we take for granted, Furbacken’s work urges us to reflect and consider our impact on the natural world, on which we all depend.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Oscar Furbacken","publishDate":1776173891339}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92f4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7173a.html","contentNodes":[{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Oscar Furbacken, video
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c20/1778240248043/cinderoasis.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"The camera moves slowly over fire-blackened ground. From the ashes emerge small life forms: lichens, mosses and fungi. In Cinder Oasis, Oscar Furbacken looks at what happens after the fire. Close-range, almost floating camera movements follow a quiet process in which life returns to a small scale, while the landscape simultaneously bears witness to a larger destruction. The small organisms that sprout from the ashes bear a singular beauty, but also the tale of increasingly extensive fires in a changing climate. The sound moves like a rumbling echo of something that has not yet subsided. The work is part of a longer project in which Furbacken examines nature’s microscopic courses of events. The film is shown as a loop with evocative audio created in collaboration with sound designer and composer Robin af Ekenstam.
"}}],"title":"Cinder Oasis","publishDate":1777896739824,"properties":{"id":"OA2614","owner":"","address":"Konsthantverkarna, Järntorgsgatan 2","epoch":"","material":"Wood, concrete, sand, spackle, acrylic, parian porcelain, diodes, mirrors, filters","number":14,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2113592824,59.2751246523,0],"publishDate":1777896739824,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7173a.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Oscar Furbacken, Video
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c20/1778240248043/cinderoasis.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Kameran rör sig långsamt över en svartbränd mark. I askan träder små livsformer fram: lavar, mossor och svampar. I Cinder Oasis riktar Oscar Furbacken blicken mot det som sker efter branden. I nära, nästan svävande bildrörelser följs en stillsam process där livet återvänder i liten skala, samtidigt som landskapet vittnar om en större förstörelse. De små organismerna som spirar ur askan bär på en egen skönhet, men också på berättelsen om allt mer omfattande eldsvådor i ett förändrat klimat. Ljudet rör sig som ett mullrande eko av något som ännu inte har lagt sig. Verket ingår i ett längre arbete där Furbacken undersöker naturens mikroskopiska skeenden. Filmen visas som en loop med ljudstämningar framtagna i samarbete med ljudskaparen Robin af Ekenstam.
"}}]},{"name":"Crushing All Over","properties":{"id":"OA2639","owner":"","address":"Nikolaikyrkan","epoch":"","material":"Glas, metall, textil","number":39,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2111059516,59.2723093037,0],"publishDate":1777532968414,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7137.html"},"artist":{"name":"Johan Ibrahim Adam","yearofbirth":1989,"publishDate":1748863475464,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1989, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11173/1777982926530/Johan%20Ibrahim%20Adam%20Press%20Image.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adams konstnärliga praktik har sitt ursprung i teckning och måleri och har expanderat till ett brett spektrum av discipliner, inklusive glasblåsning, textil, poesi, skulptur och performance. Att undervisa och utbilda andra spelar också en viktig roll i hans arbete, vilket han ser som en viktig del av sin kreativa resa.
Han är särskilt fascinerad av den fina gränsen mellan konst och hantverk – ett återkommande tema som löper genom hans praktik, oavsett om det är i form av måleri, skulptur eller digitala medier. Hans inspirationer hämtas från naturfenomen, vetenskaplig forskning, andligt tänkande och både historiska och politiska (miss)tolkningar. Genom att väva samman dessa olika intresseområden ställer han fiktion och verklighet mot varandra för att utforska livet både runt omkring och inom sig själv.
Och han gillar saker som glänser.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1989, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11173/1777982926530/Johan%20Ibrahim%20Adam%20Press%20Image.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam’s artistic practice originates from drawing and painting, and has expanded into a wide range of disciplines, including glassblowing, textiles, poetry, sculpture, and performance. Teaching and educating others also plays a significant role in his work, which he views as an essential part of his creative journey.
He is particularly fascinated by the fine line between art and craft—a recurring theme that runs through his practice, whether in the form of painting, sculpture, or digital media. His inspirations are drawn from natural phenomena, scientific research, spiritual thinking, and both historical and political (mis)interpretations. By weaving together these diverse areas of interest, he juxtaposes fiction and reality to explore life both around and within himself.
And he likes things that shine.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c21/1778240248367/crushingallover.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In St. Nicholas Church, glass, metal and textile converge in a sculpture that balances heaviness with fragility. Johan Ibrahim Adam is interested in how people and systems are affected by historical and contemporary forces. Structures grow, are compressed and displaced. A charge arises in the work between that which supports and that which is at risk of giving way. In the church space, this tension is amplified. Against the massive architecture emerge questions of power, spirituality and collective memory, without being locked into unequivocal interpretations. The observer is instead invited to pursue quiet reflection.
"}}],"title":"Crushing All Over","publishDate":1777903830558,"properties":{"id":"OA2639","owner":"","address":"Inside St. Nicholas Church","epoch":"","material":"Glass, metal, textile","number":39,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2111059516,59.2723093037,0],"publishDate":1777903830558,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71748.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c21/1778240248367/crushingallover.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Nikolai kyrka möts glas, metall och textil i en skulptur som balanserar mellan tyngd och bräcklighet. Johan Ibrahim Adam intresserar sig för hur människor och system påverkas av historiska och samtida krafter. Strukturer växer fram, pressas samman och förskjuts. I verket uppstår en laddning mellan det som bär och det som riskerar att ge vika. I kyrkorummet förstärks denna spänning. Mot den massiva arkitekturen framträder frågor om makt, andlighet och kollektivt minne, utan att låsas i entydiga tolkningar. Här bjuds betraktaren in till stilla eftertanke.
"}}]},{"name":"Det nya landet","properties":{"id":"OA26AS","owner":"","address":"Reningsverket Askersund, Hagavägen 14","epoch":"","material":"Trä, skruvar, färg, sprayfärg","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[14.913417309,58.8803623521,0],"publishDate":1777463722251,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7163.html"},"artist":{"name":"Anders Tolergård","yearofbirth":1989,"publishDate":1765522800386,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1980, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116a/1777982922975/Pressbild_Anders.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Anders Tolergård är en projektbaserad konstnär med en fot inom scenkonstområdet och en inom fri konst. Han använder sig av olika tekniker beroende på projekt, men arbetar främst med teckning i olika former och format. På grund av sin bakgrund inom teater bär hans arbeten ofta på ett narrativ och tanken på en åskådare är närvarande.
Han utgår ofta från frågor som berör makt, språk, tradition och våld med avstamp från det personliga. Anders är utbildad vid Teaterhögskolan i Luleå och HDK/Valand i Göteborg.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1980, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116a/1777982922975/Pressbild_Anders.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Anders Tolergård is a project‑based artist with one foot in the performing arts and the other in fine art. He uses different techniques depending on the project, but primarily works with drawing in various forms and formats. Due to his background in theatre, his works often carry a narrative quality, and the presence of an observer is always considered.
His work often stems from questions related to power, language, tradition, and violence, grounded in the personal.
Anders is educated at Teaterhögskolan in Luleå and at HDK‑Valand in Gothenburg.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Anders Tolergård, mural
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c22/1778240248712/detnyalandet.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In his work with the mural The New Country, Anders Tolergård has collaborated with children and young people in Askersund. Many different voices call to us from the wall. Words, figures and symbols meet and collide, as fragments of how the world might look or could become. The figures of children emerge as cut-out shapes, both present and in motion, as if they are on their way somewhere. There is no finished story here, but rather an ongoing conversation about the future. The round building gives the painting an almost sculptural presence. The perspective shifts as you move around it, and the image continues to change depending on where you are standing.
"}}],"title":"Det nya landet","publishDate":1777896691203,"properties":{"id":"OA26AS","owner":"","address":"Reningsverket Askersund, Hagavägen 14","epoch":"","material":"Wood, screws, paint, spray paint","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[14.913417309,58.8803623521,0],"publishDate":1777896691203,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71756.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Anders Tolergård, Muralmålning
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c22/1778240248712/detnyalandet.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I arbetet med muralmålningen Det nya landet har Anders Tolergård samarbetat med barn och unga i Askersund. På väggen tar många olika röster plats. Ord, figurer och symboler möts och krockar, som fragment av hur världen kan se ut eller skulle kunna bli. Barngestalterna träder fram som utskurna former, både närvarande och i rörelse, som om de är på väg någonstans. Här finns ingen färdig berättelse, utan ett pågående samtal om framtiden. Den runda byggnaden ger målningen en nästan skulptural närvaro. Perspektivet skiftar när man rör sig runt den, och bilden fortsätter att förändras beroende på var man står.
"}}]},{"name":"Drömfångare","properties":{"id":"OA2631","owner":"","address":"Köpmangatan","epoch":"","material":"Målad utskuren plåt","number":31,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2124248911,59.2710446425,0],"publishDate":1777463727009,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce78e.html"},"artist":{"name":"Kim Demåne","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000465,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11176/1777982927753/KD_flighter_potrait-2-komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Min konst är en utforskning av fantasins gränslösa världar och en reflektion över vår samtid. Jag tror på konsten som ett transformerande verktyg och strävar efter att skildra både mörker och ljus, med hopp som lyser vid horisonten. Jag växte upp i Ronneby och har kallat Malmö mitt hem sedan 2017. Här lever och arbetar jag som konstnär, verksam inom muralmåleri, teckning, skulptur och animation.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2ee2.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11176/1777982927753/KD_flighter_potrait-2-komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"My art is an exploration of the boundless worlds of imagination and a reflection on our contemporary times. I believe in art as a transformative tool and strive to portray both darkness and light, with hope shining on the horizon. I grew up in Ronneby and have called Malmö my home since 2017. Here, I live and work as an artist active in mural painting, drawing, sculpture, animation.
"}}],"title":"Kim Demåne","publishDate":1776168889860}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9204.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71764.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Kim Demåne, sculptures
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c23/1778240249046/dr%C3%B6mf%C3%A5ngare.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"High up on the lampposts are shapes that break with the familiar and capture what moves through the air. Kim Demåne’s dream catchers transform the city’s points of light into imaginative works of art. The floating figures bring to mind a sort of inner machinery. The senses collect the day’s impressions – sounds, images, tastes – and let them drift over into dream. Demåne’s art often moves between the playful and the darker, where dreams and reality are intertwined. In a time in which information has settled like a din over our daily lives, the work opens up an intervening space. The outer and the inner, that which passes and that which remains, come together here.
"}}],"title":"Drömfångare","publishDate":1777896628865,"properties":{"id":"OA2631","owner":"","address":"Köpmangatan","epoch":"","material":"Painted cut sheet metal ","number":31,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2124248911,59.2710446425,0],"publishDate":1777896628865,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71764.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Kim Demåne, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c23/1778240249046/dr%C3%B6mf%C3%A5ngare.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Högt upp på lyktstolparna sitter former som bryter av mot det välbekanta och fångar upp det som rör sig genom luften. Kim Demånes drömfångare förvandlar stadens ljuspunkter till fantasifulla konstverk. De svävande figurerna för tanken till ett slags inre maskineri. Sinnena samlar dagens intryck – ljud, bilder, smaker – och låter dem glida över i dröm. Demånes konst rör sig ofta mellan det lekfulla och det mörkare, där drömmar och verklighet flätas samman. I en tid där information lägger sig som ett brus över vardagen öppnar verken upp ett mellanrum. Här möts det yttre och det inre, det som passerar och det som stannar kvar.
"}}]},{"name":"Drömmar i staden","properties":{"id":"OA2616","owner":"","address":"Järntorget, framför Henry Allards park","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"epoch":"","material":"Målad trästruktur, container och video","number":16,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/12DFABJ50P","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2145297365,59.2750131061,0],"publishDate":1777463732107,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71f7.html"},"artist":{"name":"Kim Demåne","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000465,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11176/1777982927753/KD_flighter_potrait-2-komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Min konst är en utforskning av fantasins gränslösa världar och en reflektion över vår samtid. Jag tror på konsten som ett transformerande verktyg och strävar efter att skildra både mörker och ljus, med hopp som lyser vid horisonten. Jag växte upp i Ronneby och har kallat Malmö mitt hem sedan 2017. Här lever och arbetar jag som konstnär, verksam inom muralmåleri, teckning, skulptur och animation.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2ee2.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11176/1777982927753/KD_flighter_potrait-2-komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"My art is an exploration of the boundless worlds of imagination and a reflection on our contemporary times. I believe in art as a transformative tool and strive to portray both darkness and light, with hope shining on the horizon. I grew up in Ronneby and have called Malmö my home since 2017. Here, I live and work as an artist active in mural painting, drawing, sculpture, animation.
"}}],"title":"Kim Demåne","publishDate":1776168889860}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9204.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71772.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Kim Demåne, installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c24/1778240249327/dr%C3%B6mmaristaden.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A large sleeping figure spreads out in the city. The body is constructed of wooden boards and painted in bright colours. The head is interwoven with small buildings and walls, as if an entire settlement had taken root in its thoughts. The figure also houses a room: through an opening in a container, visitors can watch a video taking place in the sleeper’s inner world. Kim Demåne works with drawings, murals, animation and sculpture. Fantasy and everyday life converge in his works, often with urban environments as a starting point. In Dreams in the City, sleep becomes a break from reality. The sleeping figure carries another world – a place where the weight of the city dissolves for a moment in the dream.
"}}],"title":"Drömmar i staden","publishDate":1777904381606,"properties":{"id":"OA2616","owner":"","address":"Järntorget, in front of Henry Allard’s Park","epoch":"","material":"Painted wood structure, container, and video","number":16,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2145297365,59.2750131061,0],"publishDate":1777904381606,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71772.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Kim Demåne, Installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c24/1778240249327/dr%C3%B6mmaristaden.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En stor sovande gestalt breder ut sig i staden. Kroppen är byggd av träskivor och målad i starka färger. Huvudet är sammanvävt med små hus och murar, som om en hel bebyggelse vuxit fast i tanken. Figuren rymmer också ett rum: genom en öppning i en container kan besökaren se en video som utspelar sig i den sovandes inre värld. Kim Demåne arbetar med teckning, muralmåleri, animation och skulptur. I hans verk möts fantasi och vardag, ofta med urbana miljöer som utgångspunkt. I Drömmar i staden blir sömnen en paus från verkligheten. Den sovande figuren bär på en annan värld, en plats där stadens tyngd för ett ögonblick löses upp i drömmen.
"}}]},{"name":"Embers 2","properties":{"id":"OA2613","owner":"","address":"Konsthantverkarna, Järntorgsgatan 2","epoch":"","material":"Trä, betong, sand, spackel, akryl, parianporslin, dioder, speglar, filter","number":13,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2113751481,59.2751241779,0],"publishDate":1776332199642,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350ba14.html"},"artist":{"name":"Oscar Furbacken","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000334,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1980, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117f/1777982932204/OscarFurbacken-portrait_52-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Konstnären Oscar Furbacken, föddes i Göteborg 1980. Som konstnär skapar han illusoriska titthålsobjekt, mikroskulpturer och fotobaserade projekt. Hans immersiva installationer av naturmiljöer använder ofta skala och subtil ljussättning för att väcka frågor om hur vi uppfattar världen omkring oss.
Genom att skildra förbisedda mikrokosmos i gatuhörn som storslagna landskap erbjuder konstnären ett nytt perspektiv på natur och urbanitet. En stor del av hans produktion betonar svampars och mossors nyckelroller i planetens olika ekosystem. Vissa svampar är anpassade för att utvecklas direkt efter skogsbränder, och vissa mycel kan återuppliva förorenade områden och därmed möjliggöra att liv och biologisk mångfald återvänder efter en katastrof. Genom att synliggöra skörheten hos organismer vi ofta tar för givna uppmanar Furbackens verk oss att reflektera över och överväga vår påverkan på den naturliga värld som vi alla är beroende av.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e204.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1980, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117f/1777982932204/OscarFurbacken-portrait_52-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Born in Gothenburg, Sweden 1980, the artist Oscar Furbacken makes illusory peep-hole objects, micro sculptures and photo-based projects. His immersive installations of natural sceneries often involve the use of scale and subtle lighting to raise questions on how we perceive the world around us.
By portraying overseen microcosms of street corners as grandiose sceneries the artist proposes a new perspective upon nature and urbanity. A major part of the artists production emphasizes the key role of fungi and moss in the various ecosystems of our planet. Some fungi are adapted to evolve right after forest fires and certain mycelium can invigorate toxic wastes sites, thus allowing for life and biodiversity to return after a catastrophe. By visualizing the fragility of organisms we take for granted, Furbacken’s work urges us to reflect and consider our impact on the natural world, on which we all depend.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Oscar Furbacken","publishDate":1776173891339}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92f4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71780.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Oscar Furbacken, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b22/1778240249554/Embers%202.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A dark, rough surface hangs on the wall, like a residue of something that has burned. A narrow crack opens in the middle. If you peek inside, you will be met with an interior space that seems to continue beyond the object’s boundaries. Artist Oscar Furbacken works with scale and illusion. Using mirrors and light, a depth is created that doesn’t correspond with what we see. What first appears to be a solid sculptural piece turns out to contain another world. Inside glow small forms, inspired by organisms that grow after a fire. In the field of tension between destruction and regrowth emerges something that would otherwise have remained hidden.
"}}],"title":"Embers 2","publishDate":1777904313938,"properties":{"id":"OA2613","owner":"","address":"Konsthantverkarna, Järntorgsgatan 2","epoch":"","material":"Wood, concrete, sand, spackle, acrylic, parian porcelain, diodes, mirrors, filters","number":13,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2113751481,59.2751241779,0],"publishDate":1777904313938,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71780.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Oscar Furbacken, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b22/1778240249554/Embers%202.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En mörk, grov yta hänger på väggen, som en rest av något som brunnit. I mitten öppnar sig en smal spricka. Genom den går det att blicka in i ett inre rum som tycks fortsätta bortom objektets gränser. Konstnären Oscar Furbacken arbetar med skala och illusion. Med hjälp av speglar och ljus skapas ett djup som inte stämmer med det vi ser. Det som först framstår som en sluten yta visar sig rymma en annan värld. Där inne glöder små former, inspirerade av organismer som växer efter en brand. I spänningsfältet mellan förstörelse och återväxt framträder något som annars förblivit dolt.
"}}]},{"name":"Emotions Are Like The Weather","properties":{"id":"OA2617","owner":"","address":"Järntorget, nära soldäcket","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"epoch":"","material":"Jesmonite, stål, rostfritt stål, mekaniska komponenter.","number":17,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/94DF2B056P","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2140712483,59.2744323885,0],"publishDate":1776344294000,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350bac9.html"},"artist":{"name":"Christian Ristow","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000281,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA, verksam i Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116e/1777982924327/Christian-Ristow.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Jag tror att konstens viktigaste förmåga är att underlätta förändring och utveckling hos betraktaren genom att framkalla en känslomässig respons.
Under min karriär har mitt konstnärliga uttryck övergått från mekaniskt och känslomässigt frånkopplat arbete, exemplifierat av mitt tidiga fokus på robotar, till verk som omfamnar det mänskliga, det kvinnliga och det emotionella, exemplifierat av mitt nuvarande fokus på människokroppen. Jag är glad att få presentera två nya skulpturer på Open Art 2026, som markerar första gången jag kombinerar traditionell figurativ skulptur med mekaniska element.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e4c.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA, based in Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116e/1777982924327/Christian-Ristow.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I believe that art’s most important capacity is to facilitate change and growth in the viewer through the provoking of an emotional response.
During my career my artistic output has transitioned from mechanical and unemotional work, exemplified by my early focus on robots, to work that embraces the human, the female, and the emotional, exemplified by my current focus on the human body. I am excited to present two new sculptures at Open Art 2026, which mark the first time I am combining traditional figurative sculpture with mechanical elements.
"}}],"title":"Christian Ristow","publishDate":1776163590882}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9214.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7178e.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Christian Ristow, interactive sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b23/1778240249791/Emotions%20Are%20Like%20The%20Weather.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In Järntorget, three faces appear with different expressions, suspended in a mechanical construction. They are linked together so that when one face moves upwards, the others descend. The faces can be moved up and down by passersby, and every movement puts the others into play. Christian Ristow works in the borderland between technology and performance and is hailed for his robotic constructions and interactive sculptures. In Emotions Are Like the Weather, the movements become a reminder of the transitory nature of emotions. They can be strong, overwhelming or difficult, but they don’t last.
"}}],"title":"Emotions Are Like The Weather","publishDate":1777904436508,"properties":{"id":"OA2617","owner":"","address":"Järntorget, near the sun deck","epoch":"","material":"Jesmonite, steel, stainless steel and mechanical components","number":17,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2140712483,59.2744323885,0],"publishDate":1777904436508,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7178e.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Christian Ristow, Interaktiv skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b23/1778240249791/Emotions%20Are%20Like%20The%20Weather.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"På Järntorget visar sig tre ansikten i olika uttryck, upphängda i en mekanisk konstruktion. De är sammanlänkade så att när ett ansikte rör sig uppåt, sjunker de andra. Ansiktena kan skjutas upp och ner av förbipasserande, och varje rörelse sätter de andra i spel. Christian Ristow arbetar i gränslandet mellan teknik och performance, och är uppmärksammad för sina robotiska konstruktioner och interaktiva skulpturer. I Emotions Are Like The Weather blir rörelsen en påminnelse om känslans förgänglighet. De kan vara starka, överväldigande eller svåra, men de stannar inte.
"}}]},{"name":"EN TILLFÄLLIG YTA MELLAN ETT SKOGSBRYN OCH MARKEN","properties":{"id":"OA2619","owner":"","address":"Olaiplan","epoch":"","material":"Restmaterial från skogsavverkning","number":19,"signlanguage":null,"soundfile":{"URL":"https://extra.orebro.se/download-streamed/18.73f273ca19dd7971ce72291/1778049424475/var%20inte%20ra%CC%88dd%20fo%CC%88r%20mo%CC%88rkret%202.wav","mimeType":"audio/x-wav","linkType":"FILE"},"coordinates":[15.2171935504,59.2744480559,0],"publishDate":1776345654948,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350bafc.html"},"artist":{"name":"Marja-Leena Sillanpää","yearofbirth":1991,"publishDate":1768806000203,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1965, Finland, verksam i Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117a/1777982929792/Marja-Leena-2024-foto-Oskar-Karlsson-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Jag utgår från reala händelser, aktuella eller historiska, ibland även kommande, ofta fysiskt, men alltid mentalt. Min ingång, mitt förhållningssätt spänner över text, performance, ljudkonst, boken som konstobjekt och annan visuell konst, som visas i presentationer eller installationer.
Utöver konst studerar jag filosofiska, esoteriska och vetenskapliga frågor utifrån ett personligt tillvägagångssätt. Arkivering av material har blivit ett personligt sätt att hantera information. Jag är intresserad av det obegripliga i den mänskliga existensen.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"
1965, Finland, based in Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117a/1777982929792/Marja-Leena-2024-foto-Oskar-Karlsson-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I start from real facts, current or historical, sometimes also future, often physically, but always mentally. This circumstances and approach spans text, performance, sound art, books as art objects and other visual art, which is shown in presentations or installations.
In addition to art education, I study philosophical, esoteric and scientific questions based on a personal and artistic attitude. Archiving materials has become a personal way of managing various forms of information. I am interested in the incomprehensible in human existence.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Marja-Leena Sillanpää, installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b24/1778240250051/rish%C3%B6gen.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"After a forest felling, branches, brushwood and twigs are collected in large piles beside the clear-cut. Like a UFO, such a pile of brushwood has landed in our midst – a collection of residual materials covered by joined sheets as a protective shroud. It appears both as something familiar and as something foreign. As part of the work, the viewer can activate a sound with voices that move through the pile and out into the urban space. The work can be read as a reminder: something that would otherwise exist outside our everyday lives becomes visible, audible and difficult to completely brush aside. Marja-Leena Sillanpää’s work brings together examinations of philosophical and existential questions. The material often serves as a carrier of something that cannot be fully explained.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Marja-Leena Sillanpää, Installation
"}},{"name":"Bild 1","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b24/1778240250051/rish%C3%B6gen.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Efter skogsavverkningar samlas grenar, sly och ris i stora högar bredvid kalhygget. Likt ett ufo har en sådan rishög landat mitt ibland oss – en samling restmaterial, täckt av hopfogade lakan som en skyddande svepning. Den framstår både som något välbekant och som något främmande. Som en del av verket kan betraktaren aktivera ett ljud med röster som rör sig genom högen och ut i stadsrummet. Verket kan läsas som en påminnelse: något som annars ligger utanför vår vardag blir synligt, hörbart och svårt att helt avfärda. I Marja-Leena Sillanpääs arbete möts undersökningar av filosofiska och existentiella frågor, där materialet ofta fungerar som bärare av något som inte helt låter sig förklaras.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1965, Finland, verksam i Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117a/1777982929792/Marja-Leena-2024-foto-Oskar-Karlsson-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Jag utgår från reala händelser, aktuella eller historiska, ibland även kommande, ofta fysiskt, men alltid mentalt. Min ingång, mitt förhållningssätt spänner över text, performance, ljudkonst, boken som konstobjekt och annan visuell konst, som visas i presentationer eller installationer.
Utöver konst studerar jag filosofiska, esoteriska och vetenskapliga frågor utifrån ett personligt tillvägagångssätt. Arkivering av material har blivit ett personligt sätt att hantera information. Jag är intresserad av det obegripliga i den mänskliga existensen.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"
1965, Finland, based in Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117a/1777982929792/Marja-Leena-2024-foto-Oskar-Karlsson-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I start from real facts, current or historical, sometimes also future, often physically, but always mentally. This circumstances and approach spans text, performance, sound art, books as art objects and other visual art, which is shown in presentations or installations.
In addition to art education, I study philosophical, esoteric and scientific questions based on a personal and artistic attitude. Archiving materials has become a personal way of managing various forms of information. I am interested in the incomprehensible in human existence.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Marja-Leena Sillanpää, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c25/1778240250604/ferulor.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Inside the church are nine staffs made of brushwood. Like Marja-Leena’s work on Olaiplan – a large collection of branches and twigs that has been moved into the city – the material is forestry residues. The staffs are simple, upright shapes with lathed knobs. They are dedicated to the essence of the forest and the air, placed here to remind us of the interaction we once had with nature. On the last day of the exhibition, the installation will be activated through a procession. In Avskedsritual (Farewell Ritual), a group and guide will walk from the church through the city, each carrying a staff, to the pile of brushwood. The movement joins the places in a shared act. What was previously still will be set into circulation, as a gesture of farewell before the material’s final destination. Marja-Leena Sillanpää’s work brings together examinations of philosophical and existential questions. The material often serves as a carrier of something that cannot be fully explained.
"}}],"title":"A TEMPORARY SPACE BETWEEN A FOREST EDGE AND THE GROUND: NINE FERULAS","publishDate":1777896432596,"properties":{"id":"OA2637","owner":"","address":"Inside St. Nicholas Church","epoch":"","material":"Wood","number":37,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2110259125,59.2722983078,0],"publishDate":1777896432596,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce717aa.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Marja-Leena Sillanpää, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11c25/1778240250604/ferulor.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I kyrkorummet står nio stavar av sly. Materialet är skogens restprodukter, likt Marja-Leenas verk på Olaiplan, en stor samling grenar och ris som flyttats in i staden. Stavarna är enkla, upprätta former med svarvade knoppar. De är tillägnade skogens och luftens väsen, placerade för att påminna oss om det samspel vi en gång haft med naturen. På utställningens sista dag aktiveras installationen genom en procession. I Avskedsritual går en guide och ett sällskap från kyrkan genom staden med varsin stav till rishögen. Rörelsen knyter samman platserna i en gemensam handling. Det som tidigare varit stilla sätts i omlopp, som en gest av avsked inför materialets slutdestination. I Marja-Leena Sillanpääs arbete möts undersökningar av filosofiska och existentiella frågor, där materialet ofta fungerar som bärare av något som inte helt låter sig förklaras.
"}}]},{"name":"Eyes as Big as Plates","properties":{"id":"OA2638","owner":"","address":"Nikolaikyrkan","epoch":"","material":"Fotografi","number":38,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.211129658,59.2722859376,0],"publishDate":1777463772046,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce712a.html"},"artist":{"name":"Karoline Jahn Hjort & Riitta Ikonen","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000321,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Karoline Jahn Hjort, 1980, Norge.
Riitta Ikonen, 1981, Finland/USA.
EYES AS BIG AS PLATES av Karoline Hjorth (NO) och Riitta Ikonen (FI) är resultatet av möten med människor, flora, fauna och funga (svampar) på fem kontinenter. Med ett underliggande mål att stimulera ett kollektivt och mer samordnat sätt att hantera klimatkrisen utmanar serien våra föreställningar om relationen mellan människa och natur, och bekräftar samlevnad som den enda hållbara vägen framåt. Genom att kombinera fotografi, bärbar skulptur och aktionsforskning har det pågående samarbetet hittills resulterat i 160 porträtt från 19 länder.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2ed0.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Karoline Jahn Hjort, 1980, Norway.
Riitta Ikonen, 1981, Finland/USA.
EYES AS BIG AS PLATES by Karoline Hjorth (NO) & Riitta Ikonen (FI) is the result of meetings with people, flora, fauna and funga on five continents. With an underlying objective of stimulating a collective and more synchronized way of dealing with the climate crisis, the series challenge perceptions of human-nature relationships, affirming co-existence as the only sustainable path forward. Combining photography, wearable sculpture, and action research, the ongoing collaboration has so far resulted in 160 portraits from 19 countries.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Karoline Jahn Hjort & Riitta Ikonen","publishDate":1776168643983}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92e4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce717b8.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Karoline Jahn Hjort & Riitta Ikonen, photography
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b26/1778240250658/eyesasbigasplates.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In the photographs, we encounter people who almost disappear into the landscape, clothed in moss, bark, leaves and fungi. The portraits convey a tranquil shift, in which the familiar becomes foreign and the border between human and nature dissolves. The artists Karoline Jahn Hjort and Riitta Ikonen have travelled to different places, talked with people, and together created images in which the body becomes part of the surroundings. The series Eyes as Big as Plates moves through diverse landscapes and contexts, but returns to the same question: how we live together with what surrounds us, and how another form of coexistence can take shape.
"}}],"title":"Eyes as Big as Plates","publishDate":1777896388866,"properties":{"id":"OA2638","owner":"","address":"Inside St. Nicholas Church","epoch":"","material":"Photography","number":38,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.211129658,59.2722859376,0],"publishDate":1777896388866,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce717b8.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Karoline Jahn Hjort & Riitta Ikonen, Fotografi
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b26/1778240250658/eyesasbigasplates.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I fotografierna möter vi människor som nästan försvinner in i landskapet, klädda i mossa, bark, löv och svamp. Porträtten bär på en stillsam förskjutning där det bekanta blir främmande och gränsen mellan människa och natur löses upp. Konstnärerna Karoline Jahn Hjort och Riitta Ikonen har rest till olika platser, samtalat med människor och tillsammans skapat bilder där kroppen blir en del av omgivningen. Serien Eyes as Big as Plates rör sig genom skilda landskap och sammanhang, men återkommer till samma fråga: hur vi lever tillsammans med det som omger oss, och hur en annan form av samexistens kan ta form.
"}}]},{"name":"Fortsättningen – alla tusentals löften","properties":{"id":"OA2628","owner":"","address":"Kvarnplatsen","epoch":"","material":"Trä, akrylfärg och skruvar","number":28,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/78DFNBI5RP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2147012498,59.2733873598,0],"publishDate":1777375676844,"URL":"https://extra.orebro.se/4.6a706a3119d9a6c46a71b4b.html"},"artist":{"name":"MASU","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000496,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mattias Gunnarsson, f. 1972, Sverige
Susanne Westerberg, f. 1966, Sverige
MASU är en konstnärlig plattform som drivs av Mattias Gunnarsson och Susanne Westerberg. MASU har en tecknande praktik, både på papper och genom rumsliga installationer i trä där teckningen blir rumslig och materialets rörelser genom rummet blir linjer. De har en långsam process där olika verk och sammanhang bildar ett ekosystem av flätande narrativ där metoder, rumsligheter och material återkommer och får nya röster. MASU arbetar intuitivt och icke-figurativt med fokus på att uppleva och tänka med kroppen och över tid bildar linjerna kompositioner i rummet som bygger scenografier för berättelser ännu inte berättade.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e157.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mattias Gunnarsson, 1972, Sweden
Susanne Westerberg, 1966, Sweden
MASU is an artistic platform run by Mattias Gunnarsson and Susanne Westerberg. MASU has a drawing practice, both on paper and through spatial installations in wood where the drawing becomes spatial and the movements of the material through the space become lines. They have a slow process where different works and contexts form an ecosystem of interwoven narratives where methods, spatialities and materials return and get new voices. MASU works intuitively and non-figuratively with a focus on experiencing and thinking with the body and over time the lines form compositions in the space that build scenographies for stories yet to be told.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"MASU","publishDate":1776171784761}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9294.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce717c6.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"MASU, installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b27/1778240250941/forts%C3%A4ttningen.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Thousands of thin wooden sticks are bound together into a large, billowy structure. They rise from the ground and bend over the site, forming a shape that you can move around in. At Kvarnplatsen, the structure functions as a temporary shelter. The artist duo MASU works with sculptural installations made of wood, often large-scale structures built without drawings. Construction is slow and exploratory, a bit like when birds build nests. The artists behind MASU have been working together since 2012 and both have backgrounds in drawing practices. In their work, the wooden sticks become lines, drawn as if in a sketch, where the shape emerges step by step. The work is part of a longer process in which ideas and materials recur in new contexts.
"}}],"title":"The Continuation – all the Thousands of Promises","publishDate":1777902437937,"properties":{"id":"OA2628","owner":"","address":"Kvarnplatsen","epoch":"","material":"Wood, acrylic paint and screws","number":28,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2147012498,59.2733873598,0],"publishDate":1777902437937,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce717c6.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"MASU, Installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b27/1778240250941/forts%C3%A4ttningen.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Tusentals tunna träpinnar binds samman till en stor, böljande struktur. De reser sig ur marken och böjer sig över platsen i en form som går att röra sig i. Vid Kvarnplatsen fungerar konstruktionen som en tillfällig skyddsplats. Konstnärsduon MASU arbetar med skulpturala installationer i trä, ofta storskaliga konstruktioner som byggs utan ritningar. Arbetet sker långsamt och undersökande, lite som när fåglar bygger bo. MASU har arbetat tillsammans sedan 2012 och båda har sin bakgrund i en tecknande praktik. I deras arbete blir träpinnarna till linjer, dragna som i en teckning där formen växer fram steg för steg. Verket är en del av ett längre arbete där idéer och material återkommer i nya sammanhang.
"}}]},{"name":"Glazed Paradise","properties":{"id":"OA2606","owner":"","inauguration":2026,"address":"Telehuset, Vasagatan 10","epoch":"","material":"Tejp, cement, trä, plastfolie, kläder","number":6,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/28DFIBB5FP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2093759608,59.2728263347,0],"publishDate":1776329010630,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b94c.html"},"artist":{"name":"Mark Jenkins","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000496,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise är en parallell verklighet av gestalter som träder in i det offentliga rummet. De blir anomalier som fungerar som katalysatorer och rubbar den sociala väven. Detta gör de genom att skapa en dynamisk influenszon som drar till sig förbipasserande och ibland växer till att omfatta hela staden.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e13d.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise is a parallel reality of characters who pass into public space. They become anomalies that act as catalysts to distort the social fabric. They do this by creating a dynamic zone of influence that absorbs passersby, sometimes scaling to encompass the city at large.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Mark Jenkins","publishDate":1776171583859}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9284.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce717d4.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mark Jenkins, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Human-like sculptures have been placed around the city. They melt in at first glance but soon defy expectations. The figures draw attention from passers-by and create little zones where the ordinary is sidelined. A parallel reality emerges in which the city is populated by figures that seem to have stepped into the wrong scene, or into a world that follows other rules than our own. Mark Jenkins is an American artist whose installations often evoke strong reactions. His works are based on the human body and created through his own tape technique, which gives them a present realism in which the familiar constantly slips into the absurd.
"}}],"title":"Glazed Paradise","publishDate":1777896343387,"properties":{"id":"OA2606","owner":"","inauguration":2026,"address":"Telehuset, Vasagatan 10","epoch":"","material":"Tape, cement, wood, plastic wrap, clothing","number":6,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2093759608,59.2728263347,0],"publishDate":1777896343387,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce717d4.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mark Jenkins, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Människoliknande skulpturer har placerats runt om i staden. De smälter in vid första anblick, men bryter snart mot det förväntade. Figurerna drar till sig uppmärksamhet från förbipasserande och skapar små zoner där det vanliga sätts ur spel. Här uppstår en parallell verklighet där stadens ytor befolkas av gestalter som tycks ha hamnat i fel scen, eller i en värld som följer andra regler än våra. Mark Jenkins är en amerikansk konstnär vars installationer ofta väcker starka reaktioner. Hans verk utgår från människokroppen och skapas genom en egen tejpteknik som ger dem en närvarande realism, där det välbekanta ständigt glider över i det absurda.
"}}]},{"name":"Glazed Paradise","properties":{"id":"OA2607","owner":"","inauguration":2026,"address":"Vasabron","epoch":"","material":"Tejp, cement, trä, plastfolie, kläder","number":7,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/28DFIBB5FP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2090945054,59.2732604261,0],"publishDate":1776329015045,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b974.html"},"artist":{"name":"Mark Jenkins","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000496,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise är en parallell verklighet av gestalter som träder in i det offentliga rummet. De blir anomalier som fungerar som katalysatorer och rubbar den sociala väven. Detta gör de genom att skapa en dynamisk influenszon som drar till sig förbipasserande och ibland växer till att omfatta hela staden.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e13d.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise is a parallel reality of characters who pass into public space. They become anomalies that act as catalysts to distort the social fabric. They do this by creating a dynamic zone of influence that absorbs passersby, sometimes scaling to encompass the city at large.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Mark Jenkins","publishDate":1776171583859}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9284.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce717e2.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mark Jenkins, sculpture
"}},{"name":"Bild 1","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Human-like sculptures have been placed around the city. They melt in at first glance but soon defy expectations. The figures draw attention from passers-by and create little zones where the ordinary is sidelined. A parallel reality emerges in which the city is populated by figures that seem to have stepped into the wrong scene, or into a world that follows other rules than our own. Mark Jenkins is an American artist whose installations often evoke strong reactions. His works are based on the human body and created through his own tape technique, which gives them a present realism in which the familiar constantly slips into the absurd.
"}}],"title":"Glazed Paradise","publishDate":1777904037970,"properties":{"id":"OA2607","owner":"","inauguration":2026,"address":"Vasabron","epoch":"","material":"Tape, cement, wood, plastic wrap, clothing","number":7,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2090945054,59.2732604261,0],"publishDate":1777904037970,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce717e2.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mark Jenkins, Skulptur
"}},{"name":"Bild 1","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Människoliknande skulpturer har placerats runt om i staden. De smälter in vid första anblick, men bryter snart mot det förväntade. Figurerna drar till sig uppmärksamhet från förbipasserande och skapar små zoner där det vanliga sätts ur spel. Här uppstår en parallell verklighet där stadens ytor befolkas av gestalter som tycks ha hamnat i fel scen, eller i en värld som följer andra regler än våra. Mark Jenkins är en amerikansk konstnär vars installationer ofta väcker starka reaktioner. Hans verk utgår från människokroppen och skapas genom en egen tejpteknik som ger dem en närvarande realism, där det välbekanta ständigt glider över i det absurda.
"}}]},{"name":"Glazed Paradise","properties":{"id":"OA2608","owner":"","inauguration":2026,"address":"Trädgård vid Södra Strandgatan 1","epoch":"","material":"Tejp, cement, trä, plastfolie, kläder","number":8,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/28DFIBB5FP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2112926631,59.2737054793,0],"publishDate":1776329171813,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b983.html"},"artist":{"name":"Mark Jenkins","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000496,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise är en parallell verklighet av gestalter som träder in i det offentliga rummet. De blir anomalier som fungerar som katalysatorer och rubbar den sociala väven. Detta gör de genom att skapa en dynamisk influenszon som drar till sig förbipasserande och ibland växer till att omfatta hela staden.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e13d.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise is a parallel reality of characters who pass into public space. They become anomalies that act as catalysts to distort the social fabric. They do this by creating a dynamic zone of influence that absorbs passersby, sometimes scaling to encompass the city at large.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Mark Jenkins","publishDate":1776171583859}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9284.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce717f0.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mark Jenkins, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Human-like sculptures have been placed around the city. They melt in at first glance but soon defy expectations. The figures draw attention from passers-by and create little zones where the ordinary is sidelined. A parallel reality emerges in which the city is populated by figures that seem to have stepped into the wrong scene, or into a world that follows other rules than our own. Mark Jenkins is an American artist whose installations often evoke strong reactions. His works are based on the human body and created through his own tape technique, which gives them a present realism in which the familiar constantly slips into the absurd.
"}}],"title":"Glazed Paradise","publishDate":1777904090781,"properties":{"id":"OA2608","owner":"","inauguration":2026,"address":"Garden by Södra Strandgatan 1","epoch":"","material":"Tape, cement, wood, plastic wrap, clothing","number":8,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2112926631,59.2737054793,0],"publishDate":1777904090781,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce717f0.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Människoliknande skulpturer har placerats runt om i staden. De smälter in vid första anblick, men bryter snart mot det förväntade. Figurerna drar till sig uppmärksamhet från förbipasserande och skapar små zoner där det vanliga sätts ur spel. Här uppstår en parallell verklighet där stadens ytor befolkas av gestalter som tycks ha hamnat i fel scen, eller i en värld som följer andra regler än våra. Mark Jenkins är en amerikansk konstnär vars installationer ofta väcker starka reaktioner. Hans verk utgår från människokroppen och skapas genom en egen tejpteknik som ger dem en närvarande realism, där det välbekanta ständigt glider över i det absurda.
"}}]},{"name":"Glazed Paradise","properties":{"id":"OA2612","owner":"","inauguration":2026,"address":"Ö vid Norra Strandgatan","epoch":"","material":"Tejp, cement, trä, plastfolie, kläder","number":12,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/28DFIBB5FP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2109892588,59.2747999283,0],"publishDate":1776331587382,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b9e3.html"},"artist":{"name":"Mark Jenkins","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000496,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise är en parallell verklighet av gestalter som träder in i det offentliga rummet. De blir anomalier som fungerar som katalysatorer och rubbar den sociala väven. Detta gör de genom att skapa en dynamisk influenszon som drar till sig förbipasserande och ibland växer till att omfatta hela staden.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e13d.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise is a parallel reality of characters who pass into public space. They become anomalies that act as catalysts to distort the social fabric. They do this by creating a dynamic zone of influence that absorbs passersby, sometimes scaling to encompass the city at large.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Mark Jenkins","publishDate":1776171583859}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9284.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce717fe.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mark Jenkins, sculpture
"}},{"name":"Bild 1","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Human-like sculptures have been placed around the city. They melt in at first glance but soon defy expectations. The figures draw attention from passers-by and create little zones where the ordinary is sidelined. A parallel reality emerges in which the city is populated by figures that seem to have stepped into the wrong scene, or into a world that follows other rules than our own. Mark Jenkins is an American artist whose installations often evoke strong reactions. His works are based on the human body and created through his own tape technique, which gives them a present realism in which the familiar constantly slips into the absurd.
"}}],"title":"Glazed Paradise","publishDate":1777904270231,"properties":{"id":"OA2612","owner":"","inauguration":2026,"address":"Small island by Norra Strandgatan","epoch":"","material":"Tape, cement, wood, plastic wrap, clothing","number":12,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2109892588,59.2747999283,0],"publishDate":1777904270231,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce717fe.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Skulptur
"}},{"name":"Bild 1","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Människoliknande skulpturer har placerats runt om i staden. De smälter in vid första anblick, men bryter snart mot det förväntade. Figurerna drar till sig uppmärksamhet från förbipasserande och skapar små zoner där det vanliga sätts ur spel. Här uppstår en parallell verklighet där stadens ytor befolkas av gestalter som tycks ha hamnat i fel scen, eller i en värld som följer andra regler än våra. Mark Jenkins är en amerikansk konstnär vars installationer ofta väcker starka reaktioner. Hans verk utgår från människokroppen och skapas genom en egen tejpteknik som ger dem en närvarande realism, där det välbekanta ständigt glider över i det absurda.
"}}]},{"name":"Glazed Paradise","properties":{"id":"OA2635","owner":"","inauguration":2026,"address":"Nikolaikyrkans café","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"epoch":"","material":"Tejp, cement, trä, plastfolie, kläder","number":35,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/28DFIBB5FP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2106989435,59.2718896754,0],"publishDate":1777463959153,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7fb.html"},"artist":{"name":"Mark Jenkins","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000496,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise är en parallell verklighet av gestalter som träder in i det offentliga rummet. De blir anomalier som fungerar som katalysatorer och rubbar den sociala väven. Detta gör de genom att skapa en dynamisk influenszon som drar till sig förbipasserande och ibland växer till att omfatta hela staden.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e13d.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117b/1777982930171/Mark-J-2.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Glazed Paradise is a parallel reality of characters who pass into public space. They become anomalies that act as catalysts to distort the social fabric. They do this by creating a dynamic zone of influence that absorbs passersby, sometimes scaling to encompass the city at large.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Mark Jenkins","publishDate":1776171583859}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9284.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7180c.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Mark Jenkins, sculpture
"}},{"name":"Bild 1","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Människoliknande skulpturer har placerats runt om i staden. De smälter in vid första anblick, men bryter snart mot det förväntade. Figurerna drar till sig uppmärksamhet från förbipasserande och skapar små zoner där det vanliga sätts ur spel. Här uppstår en parallell verklighet där stadens ytor befolkas av gestalter som tycks ha hamnat i fel scen, eller i en värld som följer andra regler än våra. Mark Jenkins är en amerikansk konstnär vars installationer ofta väcker starka reaktioner, ibland även från polisen. Hans verk utgår från människokroppen och skapas genom en egen tejpteknik som ger dem en närvarande realism, där det välbekanta ständigt glider över i det absurda.
"}}],"title":"Glazed Paradise","publishDate":1777903309714,"properties":{"id":"OA2635","owner":"","inauguration":2026,"address":"St. Nicholas Church Café","epoch":"","material":"Tape, cement, wood, plastic wrap, clothing","number":35,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2106989435,59.2718896754,0],"publishDate":1777903309714,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7180c.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Skulptur
"}},{"name":"Bild 1","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b28/1778240251256/glazedparadise.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Människoliknande skulpturer har placerats runt om i staden. De smälter in vid första anblick, men bryter snart mot det förväntade. Figurerna drar till sig uppmärksamhet från förbipasserande och skapar små zoner där det vanliga sätts ur spel. Här uppstår en parallell verklighet där stadens ytor befolkas av gestalter som tycks ha hamnat i fel scen, eller i en värld som följer andra regler än våra. Mark Jenkins är en amerikansk konstnär vars installationer ofta väcker starka reaktioner. Hans verk utgår från människokroppen och skapas genom en egen tejpteknik som ger dem en närvarande realism, där det välbekanta ständigt glider över i det absurda.
"}}]},{"name":"Hidden stories","properties":{"id":"OA26NO","owner":"","address":"Nora","epoch":"","material":"Plåtskylt med ljusreflekterande laminat, stolpfästen i metall","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.0325410755,59.520219303,0],"publishDate":1777463789307,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718e.html"},"artist":{"name":"Anton Wiraeus","yearofbirth":1989,"publishDate":1765522800395,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1980, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116b/1777982923560/Anton%20Wiraeus.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Jag gillar själv att uppleva konst på många olika platser och tycker att offentlig konst och offentliga konstevenemang som uppförs på platser utanför de större konstinstitutioner är viktigt för att konst och kulturella upplevelser ska vara tillgängligt till alla och gärna får finnas i de vardagsmiljöer där innevånarna rör sig. Att sätta fart på platser som ibland kan vara lite borglömda och få fram kvaliteér med en lekfullhet har varit ett karakteristiskt drag i mitt skapande.
Jag har tidigare erfarenhet av att arbeta både i utomhus- och inomhusmiljö med gestaltningar.
Jag upplever att en stimulerande del med offentliga verk är att hitta beröringspunkter med
platsen och området där verket uppförs. Att även få vara del att ge en plats en identitet och
möjligtvis bli ett riktmärke som intresserade kan besöka är också en belönande del av processen.
Ett av mina offentliga projekt är min släpvagnsbastu – Artsauna
En bastu som blir en socialmötesplats och ett kulturellt nav med konstutställningar,
uppträdanden, live-musik, dans och andra typer av konst. Bastun som besökt många olika städer och olika stadsdelar i Stockholm, blir också ett inlägg i samtalet om det öppna offentliga rummet med möjligheter för medborgare att spontant använda sig av staden på olika sätt.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"
"}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11169/1777982922783/Banners%20Links%20konstn%C3%A4rssidor.jpg"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.79127a5519d8aca350b5aa.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"
1980, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116b/1777982923560/Anton%20Wiraeus.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I enjoy experiencing art in many different places, and I believe that public art and public art events presented outside major art institutions are essential for making art and cultural experiences accessible to everyone. Ideally, they should exist in the everyday environments where people move through their daily lives. Activating places that may sometimes be a bit overlooked, and bringing out their qualities with a sense of playfulness, has been a characteristic aspect of my practice.
I have previous experience working in both outdoor and indoor environments. I find that one of the most stimulating aspects of public artworks is discovering points of connection with the site and the surrounding area where the work is installed. Being part of giving a place an identity, and possibly creating a landmark that visitors may seek out, is also a rewarding part of the process.
One of my public projects is my trailer-mounted sauna – Artsauna.
A sauna that becomes a social meeting place and a cultural hub featuring art exhibitions, performances, live music, dance, and other forms of art. The sauna, which has visited many different cities and several areas in Stockholm, also contributes to the conversation about the open public space and the possibilities for citizens to spontaneously use the city in various ways.
Anton Wiraeus, installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b29/1778240251657/hiddenstories.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In Hidden Stories, Anton Wiraeus takes his point of departure in something we encounter every day: signs that guide, inform and point out directions. Yet here, their messages have been charged with other meanings. The subjects bear traces of the forest, the lake and the history of the city, and leave room for your own associations. The works are positioned so that they can be discovered on a walk through Nora, from Skolparken down towards the Brewery District. When darkness falls, they catch the light from passing vehicles and re-emerge. Anton Wiraeus often works with public art, where he seeks points of contact with the location and lets the art become a playful part of how it is experienced and understood.
"}}],"title":"Hidden stories","publishDate":1777896233002,"properties":{"id":"OA26NO","owner":"","address":"Nora","epoch":"","material":"Metal sign with light‑reflective laminate, metal pole mounts","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.0325410755,59.520219303,0],"publishDate":1777896233002,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7181a.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Anton Wiraeus, Installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b29/1778240251657/hiddenstories.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Hidden stories utgår Anton Wiraeus från något vi möter varje dag: skyltar som styr, informerar och pekar ut riktning. Här har deras budskap laddats med andra betydelser. Motiven bär spår av skogen, sjön och ortens historia, och lämnar utrymme för egna associationer. Verken är placerade så att de kan upptäckas under en promenad genom Nora, från Skolparken ner mot Bryggeriområdet. När mörkret faller fångar de upp ljuset från förbipasserande bilar och träder fram på nytt. Anton Wiraeus arbetar ofta med offentliga gestaltningar, där han söker beröringspunkter med platsen och låter konsten bli en lekfull del av hur den upplevs och förstås.
"}}]},{"name":"How the Mighty are Falling","properties":{"id":"OA2625","owner":"","address":"I Slottsparken","epoch":"","material":"Armeringsjärn, fiskenät, flytanordning","number":25,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2175003237,59.2732337008,0],"publishDate":1777463800897,"URL":"https://extra.orebro.se/4.52d73c4f19d9a61ee481fc6.html"},"artist":{"name":"Océane Jacob","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000465,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1996, Hongkong, verksam i Frankrike
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117e/1777982931504/Oceane%20Jacob%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob är en fransk konstnär med rötter i Hongkong. Hennes tvärdisciplinära praktik lyfter fram skönheten och skörheten i marina ekosystem samtidigt som den tar upp dagens ekologiska och sociopolitiska utmaningar. Genom att främst använda återvunnet material värdesätter hon deras tidigare funktioner och inbäddade berättelser för att skapa hållbara och tankeväckande verk. Genom offentliga och platsspecifika installationer bjuder hon in betraktaren till en pågående dialog mellan konst och miljömedvetenhet.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1996, Hong Kong, based in France
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117e/1777982931504/Oceane%20Jacob%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob is a French artist with roots in Hong Kong. Her multidisciplinary practice highlights the beauty and fragility of marine ecosystems while addressing today’s ecological and sociopolitical challenges. Primarily using recycled materials, she values their previous functions and embedded narratives to create sustainable, thought-provoking works. Through public and site-specific installations, she invites viewers into an ongoing dialogue between art and environmental awareness.
"}}],"title":"Océane Jacob","publishDate":1776173395490}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9224.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71828.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2a/1778240251960/howthemightyarefalling.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Eight shark fins shaped from rebar and recycled fishing nets float in the Svartån River. Each fin represents a species and reminds us of the biodiversity of the oceans. They move silently with the current, breaking the surface as if something has just passed by. The material, which once captured marine life, has been given the reverse function. The transparent nets allow light to pass and give the impression of bodies dissolving. The art installation exposes the role of fishing in the global depletion of shark species and directs our attention to what is disappearing slowly, almost imperceptibly.
"}}],"title":"How the Mighty are Falling","publishDate":1777904670649,"properties":{"id":"OA2625","owner":"","address":"In the water by the Örebro Castle Park","epoch":"","material":"Wood Beams, Recycled Fishing Nets","number":25,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2175003237,59.2732337008,0],"publishDate":1777904670649,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71828.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2a/1778240251960/howthemightyarefalling.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Svartån flyter åtta hajfenor formade i armeringsjärn och återvunna fiskenät. Varje fena representerar en art och påminner om havens biologiska mångfald. De rör sig stilla med strömmen och bryter vattenytan som om något just passerat. Materialet, som en gång fångade marint liv, har fått en omvänd funktion. De genomskinliga näten låter ljuset passera och ger intryck av kroppar som håller på att lösas upp. Konstinstallationen synliggör fiskets roll i den globala utarmningen av hajarter och riktar blicken mot det som försvinner långsamt, nästan omärkligt.
"}}]},{"name":"Imaginary Spaces – Myscenium","properties":{"id":"OA26LI","owner":"","address":"","epoch":"","material":"Fasadväv, andra textila material, trä, loppisfynd, fotografi och ljud","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2233937538,59.5944051512,0],"publishDate":1777463814300,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7180.html"},"artist":{"name":"Perman K Bäckström","yearofbirth":1989,"publishDate":1765522800385,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Jon Perman, 1979, Sverige.
Karin Backström, 1979, Sverige.
Konstnärsduon Perman K Bäckström (-79 och -83) skapar tillsammans en ny värld genom musik och konst. Den byggs genom att koppla samman processer, performance, textilkonst och musik till rumsliga installationer, kollektiva handlingar och fantasi. De utforskar sociala, konstnärliga och hantverksbaserade processer genom deltagande, performativa och organisatoriska konstverk. Som artister och performancekonstnärer uppträder de under det gemensamma namnet [krig], ett idealistiskt punkigt alterego. Karin är utbildad på Konstfack och Jon är musiker och utbildad kock.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"
"}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11169/1777982922783/Banners%20Links%20konstn%C3%A4rssidor.jpg"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e215.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"
Jon Perman, 1979, Sweden
Karin Backström, 1979, Sweden
The artist duo Perman K Bäckström (-79 och -83) sets out to make a new world through music and art. It is built through merging processes, performance, textile craft and electronic sounds into interactive spatial installations and acts of collective imagination. They explore social, artistic and craft-based processes through participatory, performative and organizational artworks. Backbeatbolaget culture house in Sandviken, with its youth projects, gallery space and music scene, are part of their artistic vision. As performance artist they call themselves [krig], In Swedish translated to [war] a name that relates to the aesthetics of punk and DIY history. Karin is Educated at Konstfack and Jon is a musician and educated chef.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Perman K Bäckström, sculpture and installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2b/1778240252305/imaginaryspaces.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In one of the linden trees in the square, something has changed. A sound drifts through the treetops, drawing our attention. It is not entirely clear where it is coming from, but it makes the square feel different. Imaginary Spaces - Myscenium is an installation with sound and interactive elements. The artist duo Perman K Bäckström works with simple materials and lets shapes emerge in a process that is both exploratory and artisanal. The textile materials are woven together into spaces that emerge in conjunction with the installation location and the people who move around in it. The work opens up for shared situations in which something temporary can take shape: a collection, a moment to listen, a shift in how the surroundings are experienced.
"}}],"title":"Imaginary Spaces – Myscenium","publishDate":1777896136817,"properties":{"id":"OA26LI","owner":"","address":"Lindesberg","epoch":"","material":"Facade fabric, other textile materials, wood, thrift‑store finds, photography and sound","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2233937538,59.5944051512,0],"publishDate":1777896136817,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71836.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Perman K Bäckström, Skulptur och installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.5048c0b619e632d671f1f46/1780491269015/imaginary_spaces.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I en av lindarna på torget har något förändrats. Ett ljud svävar i trädkronan och drar uppmärksamheten till sig. Det är inte helt tydligt varifrån det kommer, men det får platsen att kännas annorlunda. Imaginary Spaces: Myscenium är en installation med ljud och interaktiva inslag. Konstnärsduon Perman K Bäckström arbetar med enkla material och låter former växa fram i en process som är både prövande och hantverksmässig. De textila materialen flätas samman till rum som uppstår tillsammans med platsen och de människor som rör sig där. Verket öppnar för gemensamma situationer där något tillfälligt kan ta form: en samling, en stund att lyssna, en förskjutning i hur omgivningen upplevs.
"}}]},{"name":"Jag reser mig igen – jag växer","properties":{"id":"OA2604","owner":"","inauguration":2026,"address":"Bakom Kulturkvarteret, Fabriksgatan 4","epoch":"","material":"Trä, Papier-maché","number":4,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2069431124,59.2721424718,0],"publishDate":1776328138717,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b938.html"},"artist":{"name":"Sanaz Hakimi","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000315,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Afghanistan, verksam i Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11182/1777982933689/Sanaz-Hakimi.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Som skulptör och multidisciplinär visuell konstnär utforskar jag mötet mellan tradition och samtida uttryck. Mina verk är inspirerade av Bamiyans berg och den historiska Sidenvägen, med vissa symboler som är resultatet av min personliga tolkning och fantasi. Varje verk, gjort med enkla material, kombinerar textur, form för att bjuda in betraktaren till en reflekterande upplevelse.
I ett av de inskickade verken spegla rösterna från kvinnor i mitt land, vilket är en del av mina konstnärliga mål.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e2aa.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Afghanistan, based in Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11182/1777982933689/Sanaz-Hakimi.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"As a sculptor and multidisciplinary visual artist, I explore the intersection of tradition and contemporary expression. My works are inspired by the heart of the Bamiyan mountains and the historic Silk Road, with some symbols resulting from my personal interpretation and imagination. Each piece, made with simple materials, combines texture, form to invite the viewer into a contemplative experience.
In one of the submitted works, the voices of women from my country are reflected, which is part of my artistic goals.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Sanaz Hakimi","publishDate":1776176017281}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92b4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71844.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Sanaz Hakimi, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2c/1778240252566/Jag%20reser%20mig%20igen%20%E2%80%93%20jag%20v%C3%A4xer.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Thin branches bearing small female figures shoot up from a pot. In the work, artist Sanaz Hakimi gives shape to the hope for freedom for women and girls in her homeland of Afghanistan. Under the Taliban’s rule, many are deprived of the right to speak, move freely and live their lives. The figures burst from the earth and continue to grow, despite the forces that try to hold them back. As new shoots, they stretch upwards and together form a body that rises towards the light.
"}}],"title":"I Will Rise And Grow Again","publishDate":1777904817610,"properties":{"id":"OA2604","owner":"","inauguration":2026,"address":"Behind Kulturkvarteret, Fabriksgatan 4","epoch":"","material":"Wood, papier-maché","number":4,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2069431124,59.2721424718,0],"publishDate":1777904817610,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71844.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Sanaz Hakimi, kulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2c/1778240252566/Jag%20reser%20mig%20igen%20%E2%80%93%20jag%20v%C3%A4xer.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Tunna grenar skjuter upp ur en kruka och bär på små kvinnogestalter. I verket ger konstnären Sanaz Hakimi form åt hoppet om frihet för kvinnor och flickor i sitt hemland Afghanistan. Under talibanernas styre berövas många rätten att tala, röra sig fritt och leva sina liv. Gestalterna bryter fram ur jorden och fortsätter att växa, trots de krafter som försöker hålla dem tillbaka. Som nya skott sträcker de sig uppåt och bildar tillsammans en kropp som reser sig mot ljuset.
"}}]},{"name":"Jag älskar dig i Ragu","properties":{"id":"OA2630","owner":"","address":"Köpmangatan","epoch":"","material":"Järn, trä, färg, foliering","number":30,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.21269737,59.2713861274,0],"publishDate":1777463829500,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce780.html"},"artist":{"name":"Doris Apelqvist","yearofbirth":2002,"publishDate":1748863474891,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"2002, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116f/1777982924742/Doris%20Apelqvist.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I en strävan efter att arbeta så fritt som möjligt låter jag material och medier så som måleri, skulptur, textil, ljud, poesi och performance mm mötas och kollidera. En av grundpelarna i min praktik är att jobba intuitivt och explosionsartat. Genom att vara lyhörd för impulser upprätthåller jag ett tempo, en nyfikenhet och ett rått och opolerat uttryck. Tjocka lager färg, papier-mache masker och abstrakta poesi-landskap till tonerna av radiobrus och rundgång.
Ett för mig återkommande tema är ambivalens mellan olika känslolägen: inbjudande och frånstötande, melankoli och eufori, frihet och isolering. Jag vill gestalta mellanrummet där motstridigheterna enas och försätter en i ett tillstånd som är omöjligt att förstå fullt ut. I min värld är fantasin viktigare än verkligheten.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"2002, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116f/1777982924742/Doris%20Apelqvist.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In a pursuit of working as freely as possible, I allow different materials and techniques such as painting, sculpture, textiles, sound, poetry, performance, and more to meet and collide. One of the cornerstones of my practice is working intuitively and explosively. By staying attuned to impulses, I maintain a tempo, a curiosity, and a raw, unpolished expression. Thick layers of paint, papier-mâché masks, and abstract poetry-landscapes to the sound of radio static and feedback.
A recurring theme for me is the ambivalence between emotional states: inviting and repulsive, melancholy and euphoria, freedom and isolation. I aim to portray the in-between space where contradictions merge and place one in a state that is impossible to fully grasp. In my world, imagination is more important than reality.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Doris Apelqvist, installation and multimedia
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2d/1778240252780/jag%C3%A4lskardigiragu.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Three large tin cans have been placed on the street. Two are sealed, but one has tipped over and its contents have spilled out onto the ground. Artist Doris Apelqvist uses the tin can as an everyday object and symbol. The work connects to the artist’s own family history and to a canning industry in which the contents didn’t always match the label. Humour and discomfort meet in a play on trust, consumption and stories about what we choose to believe. Apelqvist often works in an intuitive and materials-based process, in which ideas emerge in the doing. In this work, the tin can becomes a memory and an open-ended question about what is actually inside.
"}}],"title":"Jag älskar dig i Ragu","publishDate":1778050806442,"properties":{"id":"OA2630","owner":"","address":"Köpmangatan","epoch":"","material":"Iron, wood, paint, (foliering)?","number":30,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.21269737,59.2713861274,0],"publishDate":1778050806442,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71852.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Doris Apelqvist, Installation och multimedia
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2d/1778240252780/jag%C3%A4lskardigiragu.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Tre stora konservburkar står placerade på gatan. Två är förslutna, en har vält och innehållet rinner ut över marken. Konstnären Doris Apelqvist utgår från burken som vardagsföremål och symbol. Verket knyter an till konstnärens egen släkthistoria och till en konservindustri där innehållet inte alltid motsvarade etiketten. Här möts humor och obehag i en lek med förtroende, konsumtion och berättelser om vad vi väljer att tro på. Apelqvist arbetar ofta intuitivt och materialbaserat, där idéer växer fram i själva görandet. I detta verk blir konservburken ett minne och en öppen fråga om vad som egentligen finns inuti.
"}}]},{"name":"Jag är extrem","properties":{"id":"OA2632","owner":"","address":"Stortorget","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"epoch":"","material":"Glasfiber, silikon","number":32,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/00DF9BW50P","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2121085311,59.2722096314,0],"publishDate":1779780391149,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce79b.html"},"artist":{"name":"LILITH","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000284,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Elin Lundgren, f. 1973, Sverige
Petter Pettersson, f. 1972, Sverige
LILITH bygger bildvärldar, genom intuitiva collage-liknande processer med performance, fi lm, text, ljud och skulpturala installationer.
Under de senaste åren har LILITHs arbete i stor utsträckning kretsat kring mänskliga inre tillstånd och normbrytande drivkrafter där självuppfunna riter och ceremonier blivit en viktig sammanhållande del. Riter som skapar mening och tillhörighet – både vid dramatiska vändpunkter och i vardagliga situationer.
Riten och ceremonierna kan förstås som regelverk i spel, lekar och sceniska presentationer i alla dess former. LILITHs intresse för riten riktas mot dess betydelse både ur ett mikroperspektiv – för att hålla samman den lilla gruppen såsom familjen, vänkretsen eller sekten – och ur ett globalt perspektiv, där religion, nation och i förlängningen hela arten blir centrala för människans drivkraft att överleva.
LILITH föreslår alternativa tankemönster till den överenskomna verklighet som vi frivilligt eller ofrivilligt inordnar oss i. Det är mörka men ofta humoristiska världar där normerna är tvetydiga och motsägelsefulla, där reglerna drar åt olika håll och där betydelsen ofta uppstår i det mellanliggande snarare än i det direkt begripliga. Här är det som sker i tanken och drömmen lika sant som det som pågår i den yttre världen.
I grunden kretsar LILITHs konstnärliga arbete kring allmänmänskliga frågor som utanförskap, kärlek, saknad och sorg, med en strävan efter att tränga in i betraktarens medvetande som en störning, och därigenom närma sig frågan om vad det innebär att vara människa.
LILITH är konstnärsduon Elin Lundgren (f. 1973 i Stockholm, bor och verkar i Linderöd och Malmö) och Petter Pettersson (f. 1972 i Kristinehamn, bor och verkar i Linderöd och Malmö). Duon har arbetat tillsammans med bild- och scenkonst i olika former sedan 1999 och har visat sina verk både i Sverige och internationellt, senast på CHART 2025, Avesta Art, Södertälje Konsthall, Malmö Konstmuseum och Tomelilla Konsthall.
År 2007 grundade duon Lilith Performance Studio – en hyllad och oberoende arena för praktisk konstnärlig forskning med inriktning på nyproducerade storskaliga konstperformance av inbjudna konstnärer från hela världen.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.79127a5519d8aca350b670.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Elin Lundgren, 1973, Sweden
Petter Pettersson, 1972, Sweden
LILITH builds visual worlds through intuitive, collage-like processes using performance, film, text, sound and sculptural installations.
In recent years, LILITH’s work has largely revolved around human inner states and norm-defying impulses, where self-invented rites and ceremonies have become an important unifying element. Rites that create meaning and belonging – both at dramatic turning points and in everyday situations.
Rites and ceremonies can be understood as sets of rules in games, play and staged presentations in all their forms. LILITH’s interest in ritual is directed toward its significance both from a micro-perspective – as a way of holding together small groups such as families, circles of friends or sects – and from a global perspective, where religion, nation and ultimately the entire species become central to the human drive for survival.
LILITH proposes alternative patterns of thought to the agreed-upon reality that we, willingly or unwillingly, adapt ourselves to. These are dark but often humorous worlds where norms are ambiguous and contradictory, where rules pull in different directions, and where meaning often arises in the in-between rather than in what is immediately comprehensible. Here, what happens in thought and dream is just as true as what takes place in the external world.
At its core, LILITH’s artistic work revolves around universal human themes such as alienation, love, longing and grief, with an ambition to enter the viewer’s consciousness as a disturbance, and through that approach the question of what it means to be human.
LILITH is the artist duo Elin Lundgren (b. 1973 in Stockholm, based in Linderöd and Malmö) and Petter Pettersson (b. 1972 in Kristinehamn, based in Linderöd and Malmö). The duo has worked together with visual and performing arts in various forms since 1999 and has exhibited their works both in Sweden and internationally, most recently at CHART 2025, Avesta Art, Södertälje Konsthall, Malmö Konstmuseum and Tomelilla Konsthall.
In 2007, the duo founded Lilith Performance Studio – a celebrated and independent arena for practical artistic research focused on newly produced large-scale performance works by invited artists from around the world.
"}}],"title":"LILITH","publishDate":1776869313095}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9264.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71860.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"LILITH, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.523ac55219e631884d618/1779780394425/jag%C3%A4rextrem.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En 4,5 meter lång arm ligger på marken, som om den fallit dit i rörelse. Handen är utsträckt mot stenläggningen. I sin skala bryter den torgets vardag och förvandlar platsen till ett rum för ceremoni och lek. Konstnärsduon LILITH ser riten som något som håller människor samman, i den lilla kretsen och i större gemenskaper där tro och tillhörighet spelar en avgörande roll. Det självklara prövas och ges nya betydelser. Här ryms gemenskap och kärlek, allvar och längtan. Under sommaren aktiveras skulpturen genom ett performance, då armen bärs genom staden i ett långsamt sorgetåg av människor i olika åldrar till tonerna av ett nyskrivet operastycke.
"}}],"title":"Jag är extrem","publishDate":1778050794307,"properties":{"id":"OA2632","owner":"","address":"Stortorget","epoch":"","material":"Fiberglass, silicone","number":32,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2121085311,59.2722096314,0],"publishDate":1778050794307,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71860.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"LILITH, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.523ac55219e631884d618/1779780394425/jag%C3%A4rextrem.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En 4,5 meter lång arm ligger på marken, som om den fallit dit i rörelse. Handen är utsträckt mot stenläggningen. I sin skala bryter den torgets vardag och förvandlar platsen till ett rum för ceremoni och lek. Konstnärsduon LILITH ser riten som något som håller människor samman, i den lilla kretsen och i större gemenskaper där tro och tillhörighet spelar en avgörande roll. Det självklara prövas och ges nya betydelser. Här ryms gemenskap och kärlek, allvar och längtan. Under sommaren aktiveras skulpturen genom ett performance, då armen bärs genom staden i ett långsamt sorgetåg av människor i olika åldrar till tonerna av ett nyskrivet operastycke.
"}}]},{"name":"Kolonialismens färger – Gränser. Kolonialisma Ivnit – Rajat","properties":{"id":"OA2624","owner":"","address":"I museiparken","epoch":"","material":"Textil","number":24,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2183226347,59.273502838,0],"publishDate":1777463834422,"URL":"https://extra.orebro.se/4.52d73c4f19d9a61ee481fb6.html"},"artist":{"name":"Lena Stenberg","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000288,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1961, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11178/1777982928802/Lena%20Stenberg%20IMG_1229%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Mellan Gränser - Between borders - Rájit gaska
Jag är uppvuxen i Laevas sameby utanför Kiruna. Sveriges största gruvföretag ligger på samebyns marker. Så samebyn har alltid varit hårt trängda av gruvnäringen i området.Samtidigt som den har försett huvudstaden Kiruna och hela Sverige med råvaru inkomster. Vilket naturligtvis har präglat mig. Min släkt har både mors och fars sida förgreningar från släkter som har tvångsförflyttades från Karesuando - Tromsö området. Jag har följt min släkt genom gamla foton och dokument. Hur deras rötter med markområdena i det nationella staterna Finland och Norge kapades för alltid.
Kontakta med de gamla boplatserna och flyttlederna bryts. Efter det nya gränsdragningarna 1919 som sedan gjorde att svenska staten tvångsförflyttade stora grupper av samer från Karesuando längre söderut.
Jag arbetar ofta från det perspektiv som är mitt, mina erfarenheter och den politiska kamp som jag vuxit upp med. Miljö och natur är viktiga aspekter i mitt skapande. Men även aktuella händelser och historia En viktig ingång i mitt konstnärskap blev när jag fick ett fotoalbum av min mormor, när jag var i 20-årsåldern. Med många släktfotografier. Det var bilder från Arjeplog dit mormor blev tvångsförflyttade i sin ungdom. Nord samerna utgjorde ett exotiskt inslag, så det fanns mängder av fotografier av hennes familj och släkt. Då började jag förstå hur hemsk den samiska historien var under 1900-talet, som ändå är så nära i tid. Vilka övergrepp som skett, hur man förträngt och tvångsförflyttade samer. När de nordiska länderna förstärkte sina nationella gränser och ansåg att marken behövdes till andra näringar. Det gjorde att många familjer blev splittrade och tvångsförflyttade av svenska staten. Till främmande bosättningar längre söderut i Sverige. Till områden med annan renskötsel, kultur och språk. Ett övergrepp som påverkar den samiska samtiden än idag.
Natur, kultur, identitet och frågor om tillhörighet är ofta ett tema i mina arbeten. Om bakgrund och tillhörighet till platser och naturlandskap. Hur miljö, natur och platser präglar människans identitet och livsvillkor. Hur platsers historia hänger ihop med samtidens händelser. Mina konstnärliga arbeten har ofta rört sig mellan att skildra historiska reflektioner och politiska frågor. Min konst har också gett uttryck för människans behov av skydd i tillvaron. Mot klimat, väder, miljö och annan yttre påverkan som exploatering av land. Miljöförstöring och markexploatering är ett tema som jag också ofta arbetar med. Som i konstprojekt som Mark användning, Time out och Landskap takeover. Eller som i konstverken Deformationszon och Girun.
1961, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11178/1777982928802/Lena%20Stenberg%20IMG_1229%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I grew up in the Laevas Sámi community outside Kiruna. Sweden’s largest mining company operates on the community’s land. The Sámi community has therefore always been heavily pressured by the mining industry in the area, while at the same time providing the city of Kiruna and the whole of Sweden with raw material income. This has naturally shaped me. On both my mother’s and father’s sides, my family descends from people who were forcibly relocated from the Karesuando–Tromsö region. I have traced my family through old photographs and documents, seeing how their roots with the lands in Finland and Norway were severed forever.
The connection to the old settlements and migration routes was broken. After the new border agreements of 1919, the Swedish state forcibly relocated large groups of Sámi from Karesuando further south.
I often work from my own perspective, my experiences, and the political battle I grew up with. Environment and nature are important aspects of my practice, as are current events and history. A key turning point in my artistic work came when my grandmother gave me a photo album in my twenties, filled with family photographs. They were images from Arjeplog, where she had been forcibly relocated as a young woman. The North Sámi were seen as exotic, so there were countless photographs of her family and relatives. It was then I began to understand how devastating Sámi history was during the 20th century, a period still so close in time. The abuses that took place, the suppression and forced relocations of Sámi people. When the Nordic countries strengthened their national borders and decided the land was needed for other industries. Many families were split apart and forcibly moved by the Swedish state to unfamiliar settlements further south, to areas with different reindeer herding practices, cultures and languages. An act of violence that continues to affect Sámi life today.
Nature, culture, identity and questions of belonging are recurring themes in my work. I explore background and connection to places and natural landscapes, and how environment, nature and place shape human identity and living conditions. How the history of a place is intertwined with contemporary events. My artistic practice often moves between historical reflection and political issues. My work also expresses the human need for protection in life, against climate, weather, environment and other external forces such as land exploitation. Environmental destruction and land use are themes I frequently return to, as in the art projects Mark användning, Time out and Landskap takeover, or in the works Deformationszon and Girun.
"}}],"title":"Lena Stenberg","publishDate":1776926685394}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9234.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7186e.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg, installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2e/1778240253078/flaggor.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In Slottsparken, four textile flags are hanging between two trees. The subjects are based on Lena Stenberg’s family history and linked to the state interventions of the 1900s that splintered Sámi families. The artist was born in the Sámi village of Laevas outside Kiruna and has family roots in Karesuando, where forced displacements devastated both land and lives. Through old photographs and documents, she’s followed her family’s ties to lands that today lie in Finland and Norway. In her art, she returns to how nature and living conditions are affected by political decisions and exploitation. By merging family photographs with the colours and shapes of the flag, she shows how national borders have pierced people’s everyday lives. The work reminds us that colonialism is not just a thing of the past.
"}}],"title":"Kolonialismens färger – Gränser / Kolonialisma Ivnit – Rajat","publishDate":1777904549888,"properties":{"id":"OA2624","owner":"","address":"In the museum park","epoch":"","material":"Textile","number":24,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2183226347,59.273502838,0],"publishDate":1777904549888,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7186e.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg, Installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2e/1778240253078/flaggor.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Slottsparken hänger fyra textila flaggor mellan två träd. Motiven bygger på Lena Stenbergs släkthistoria och knyter an till de statliga ingrepp som under 1900-talet splittrade samiska familjer. Hon är född i Laevas sameby utanför Kiruna och har släktrötter i Karesuando, där tvångsförflyttningar bröt sönder både land och liv. Genom gamla fotografier och dokument har hon följt familjens band till marker som idag ligger i Finland och Norge. I sitt konstnärskap återkommer hon till hur natur och livsvillkor påverkas av politiska beslut och exploatering. Genom att förena familjefotografier med flaggans form och färger visar hon hur nationella gränsdragningar trängt in i människors vardag. Verket påminner om att kolonialism inte bara hör till det förflutna.
"}}]},{"name":"Kristallkrona","properties":{"id":"OA2641","owner":"","address":"Brickebacken centrum","epoch":"","material":"Stål och sten","number":41,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/63DFAB75SP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2412162931,59.238716642,0],"publishDate":1777533565292,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7156.html"},"artist":{"name":"Johan Ibrahim Adam","yearofbirth":1989,"publishDate":1748863475464,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1989, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11173/1777982926530/Johan%20Ibrahim%20Adam%20Press%20Image.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adams konstnärliga praktik har sitt ursprung i teckning och måleri och har expanderat till ett brett spektrum av discipliner, inklusive glasblåsning, textil, poesi, skulptur och performance. Att undervisa och utbilda andra spelar också en viktig roll i hans arbete, vilket han ser som en viktig del av sin kreativa resa.
Han är särskilt fascinerad av den fina gränsen mellan konst och hantverk – ett återkommande tema som löper genom hans praktik, oavsett om det är i form av måleri, skulptur eller digitala medier. Hans inspirationer hämtas från naturfenomen, vetenskaplig forskning, andligt tänkande och både historiska och politiska (miss)tolkningar. Genom att väva samman dessa olika intresseområden ställer han fiktion och verklighet mot varandra för att utforska livet både runt omkring och inom sig själv.
Och han gillar saker som glänser.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1989, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11173/1777982926530/Johan%20Ibrahim%20Adam%20Press%20Image.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam’s artistic practice originates from drawing and painting, and has expanded into a wide range of disciplines, including glassblowing, textiles, poetry, sculpture, and performance. Teaching and educating others also plays a significant role in his work, which he views as an essential part of his creative journey.
He is particularly fascinated by the fine line between art and craft—a recurring theme that runs through his practice, whether in the form of painting, sculpture, or digital media. His inspirations are drawn from natural phenomena, scientific research, spiritual thinking, and both historical and political (mis)interpretations. By weaving together these diverse areas of interest, he juxtaposes fiction and reality to explore life both around and within himself.
And he likes things that shine.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam, sculpture and installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2f/1778240253395/kristallkrona.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In Brickebacken Centre rises a large crystal chandelier. It is built of objects collected from residents in the area. Jewellery, bits of metal, and everyday objects have been gilded, silver-plated, or covered in glitter. The work is rooted in Johan Ibrahim Adam’s own childhood in Brickebacken and his desire to make art accessible in the suburbs. Adam frequently works with the crystal chandelier as motif and examines how light can function as both illumination and power. These recur as both material objects and as symbolic bearers of questions surrounding representation, class and hierarchies. Through this combined process, the work contains many personal narratives that have been joined together into a whole.
"}}],"title":"Kristallkrona","publishDate":1777903976927,"properties":{"id":"OA2641","owner":"","address":"Brickebacken centre","epoch":"","material":"Steel and stone","number":41,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2412162931,59.238716642,0],"publishDate":1777903976927,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7187c.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam, Skulptur och installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b2f/1778240253395/kristallkrona.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Brickebacken Centrum reser sig en storskalig kristallkrona. Den är uppbyggd av föremål som samlats in från boende i området. Smycken, metallbitar och vardagliga objekt har förgyllts, försilvrats eller täckts med glitter. Verket utgår från Johan Ibrahim Adams egen uppväxt i Brickebacken och hans vilja att göra konsten tillgänglig i förorten. Adam arbetar återkommande med kristallkronan som motiv och undersöker hur ljus kan fungera både som upplysning och som makt. Dessa återkommer som både materiella objekt och symboliska bärare av frågor om representation, klass och hierarkier. Genom det gemensamma arbetet rymmer verket många personliga berättelser som fogats samman till en helhet.
"}}]},{"name":"Mellan kosmisk superabundans och mikrad makaronilåda","properties":{"id":"OA2618","owner":"","address":"Henry Allards Park","epoch":"","material":"Trä","number":18,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2154969424,59.2748735394,0],"publishDate":1776344981077,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350bad7.html"},"artist":{"name":"Doris Apelqvist","yearofbirth":2002,"publishDate":1748863474891,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"2002, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116f/1777982924742/Doris%20Apelqvist.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I en strävan efter att arbeta så fritt som möjligt låter jag material och medier så som måleri, skulptur, textil, ljud, poesi och performance mm mötas och kollidera. En av grundpelarna i min praktik är att jobba intuitivt och explosionsartat. Genom att vara lyhörd för impulser upprätthåller jag ett tempo, en nyfikenhet och ett rått och opolerat uttryck. Tjocka lager färg, papier-mache masker och abstrakta poesi-landskap till tonerna av radiobrus och rundgång.
Ett för mig återkommande tema är ambivalens mellan olika känslolägen: inbjudande och frånstötande, melankoli och eufori, frihet och isolering. Jag vill gestalta mellanrummet där motstridigheterna enas och försätter en i ett tillstånd som är omöjligt att förstå fullt ut. I min värld är fantasin viktigare än verkligheten.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"2002, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116f/1777982924742/Doris%20Apelqvist.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In a pursuit of working as freely as possible, I allow different materials and techniques such as painting, sculpture, textiles, sound, poetry, performance, and more to meet and collide. One of the cornerstones of my practice is working intuitively and explosively. By staying attuned to impulses, I maintain a tempo, a curiosity, and a raw, unpolished expression. Thick layers of paint, papier-mâché masks, and abstract poetry-landscapes to the sound of radio static and feedback.
A recurring theme for me is the ambivalence between emotional states: inviting and repulsive, melancholy and euphoria, freedom and isolation. I aim to portray the in-between space where contradictions merge and place one in a state that is impossible to fully grasp. In my world, imagination is more important than reality.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Doris Apelqvist, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b30/1778240253601/mellankosmisksuperabundansochmikradmakaronil%C3%A5da2.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A structure spreads out like a cross between a playground and a building. Parts tilt, meet and break off, like fragments of a room turned inside out. The work has grown out of recycled materials and an intuitive working process. Artist Doris Apelqvist builds by testing, relocating and combining. She moves between the infinitely large and the everyday small. Thoughts about the expansion of the universe are juxtaposed with the most trivial – things that fit in a kitchen, a memory, or a body. There are hints of stories, but nothing that allows itself to be captured. It seems like somewhere we recognize, but can’t quite place.
"}}],"title":"Mellan kosmisk superabundans och mikrad makaronilåda","publishDate":1778050740933,"properties":{"id":"OA2618","owner":"","address":"Henry Allards Park","epoch":"","material":"Wood","number":18,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2154969424,59.2748735394,0],"publishDate":1778050740933,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7188a.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Doris Apelqvist, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b30/1778240253601/mellankosmisksuperabundansochmikradmakaronil%C3%A5da2.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En konstruktion breder ut sig som en korsning mellan lekplats och hus. Delar lutar, möts och bryts av, som fragment av ett rum som vänts ut och in. Verket har vuxit fram ur återbrukat material och en intuitiv arbetsprocess. Konstnären Doris Apelqvist bygger genom att pröva, flytta och kombinera. Hon rör sig mellan det oändligt stora och det vardagligt lilla. Tankar om universums expansion ställs mot det mest triviala – sådant som ryms i ett kök, ett minne eller i en kropp. Här finns antydningar till berättelser, men inget som helt låter sig fångas. Det liknar en plats vi känner igen, men inte riktigt kan placera.
"}}]},{"name":"Minneskrukan","properties":{"id":"OA2605","owner":"","inauguration":2026,"address":"Bakom Kulturkvarteret, Fabriksgatan 4","epoch":"","material":"Trä, Papier-maché","number":5,"signlanguage":null,"soundfile":{"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92b4.html","mimeType":null,"linkType":"INTERNAL"},"coordinates":[15.2072461637,59.2723087288,0],"publishDate":1776328136064,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b919.html"},"artist":{"name":"Sanaz Hakimi","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000315,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Afghanistan, verksam i Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11182/1777982933689/Sanaz-Hakimi.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Som skulptör och multidisciplinär visuell konstnär utforskar jag mötet mellan tradition och samtida uttryck. Mina verk är inspirerade av Bamiyans berg och den historiska Sidenvägen, med vissa symboler som är resultatet av min personliga tolkning och fantasi. Varje verk, gjort med enkla material, kombinerar textur, form för att bjuda in betraktaren till en reflekterande upplevelse.
I ett av de inskickade verken spegla rösterna från kvinnor i mitt land, vilket är en del av mina konstnärliga mål.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e2aa.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1988, Afghanistan, based in Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11182/1777982933689/Sanaz-Hakimi.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"As a sculptor and multidisciplinary visual artist, I explore the intersection of tradition and contemporary expression. My works are inspired by the heart of the Bamiyan mountains and the historic Silk Road, with some symbols resulting from my personal interpretation and imagination. Each piece, made with simple materials, combines texture, form to invite the viewer into a contemplative experience.
In one of the submitted works, the voices of women from my country are reflected, which is part of my artistic goals.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Sanaz Hakimi","publishDate":1776176017281}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92b4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71898.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Sanaz Hakimi, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b31/1778240253863/Minneskrukan.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"The Memory Pot is a papier-mâché sculpture with a surface reminiscent of an old archaeological find. The pot bears symbols from Bamiyan and the culture that developed along the Silk Road. The vessel recurs in Sanaz Hakimi’s art as a carrier of memories and imagination. It collects stories and people, landscapes and experiences from different generations, along with new images that emerge from the artist’s own imagination.
"}}],"title":"The Memory Pot","publishDate":1777904859506,"properties":{"id":"OA2605","owner":"","inauguration":2026,"address":"Behind Kulturkvarteret, Fabriksgatan 4","epoch":"","material":"Wood, papier-maché","number":5,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2072461637,59.2723087288,0],"publishDate":1777904859506,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71898.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Sanaz Hakimi, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b31/1778240253863/Minneskrukan.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Minneskrukan är en skulptur i papier-maché med en yta som påminner om ett gammalt arkeologiskt fynd. Formen rymmer symboler från Bamiyan och den kultur som vuxit fram längs Sidenvägen. I Sanaz Hakimis konstnärskap återkommer kärlet som en bärare av minnen och fantasi. Här samlas berättelser om människor, landskap och erfarenheter från olika generationer, liksom nya bilder som växer fram ur konstnärens egen föreställningsvärld.
"}}]},{"name":"Needle in a Haystack","properties":{"id":"OA2602","owner":"OpenArt","inauguration":2026,"address":"Nygatan 7, Örebro","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"accessibility":["Rullstol"],"epoch":"","material":"Robot, hö m.m.","number":2,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/50DFGBS5NP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2081310737,59.2720291072,0],"publishDate":1776260280099,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b781.html"},"artist":{"name":"Varvara & Mar","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000335,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Varvara Guljajeva, 1984, Estland
Mar Canet Sola, 1981, Spanien, verksam i Estland
Vi är Varvara & Mar, en konstnärsduo grundad 2009 av Dr. Varvara Guljajeva och Mar Canet. Vi arbetar i mötet mellan konst, teknologi och samhälle. För oss är teknologin både ett verktyg och ett ämne i sig: vi använder den praktiskt samtidigt som vi granskar dess löften, ideologier och blinda fläckar. I vår praktik undersöker vi hur den snabba teknologiska utvecklingen förändrar våra liv, vår perception, vår kommunikation, våra relationer och vår omgivning – och vad det innebär att vara människa i dessa förskjutna villkor.
Just nu står artificiell intelligens i centrum för vårt arbete, både som kulturellt fenomen och som ett material att tänka med. Våra projekt fungerar som fallstudier för kreativa och meningsfulla sätt att använda AI och andra nya teknologier. Vi rör oss genom den enorma datamängd som dagens samhälle producerar och söker sätt att omvandla den till upplevelser som väcker eftertanke snarare än att bara tillföra ännu mer information. Jean Baudrillard skrev att vi lever i en värld med ”mer och mer information och mindre och mindre mening”; för oss är konsten ett sätt att stå emot detta genom att sakta ner, skapa sammanhang och återkroppsliga data. Vi är särskilt intresserade av hur kultursektorn kan öppna kritiska samtal om AI, nya former av bild- och textproduktion och vårt växande beroende av högteknologiska infrastrukturer.
En lika viktig del av vår praktik är relationen till naturen. Vi ser inte natur och teknologi som motsatser, utan som samarbetspartners och spänningsfält. Vi utforskar möjliga symbioser mellan det organiska och det artificiella och undersöker hur samexistens – och till och med hybridisering – kan se ut i vår neurala tidsålder. Genom artificiella landskap, miljömotiv och spekulativa ekologier, skapade med AI och andra digitala verktyg, undersöker vi hur teknologiska system omformar våra föreställningar om landskap, ekologi och det ”naturliga”.
Genom att arbeta praktiskt med dessa frågor, snarare än enbart teoretiskt, söker vi en djupare förståelse för de processer som formar vår tid. Våra installationer, interaktiva verk och syntetiska miljöer bjuder in publiken att kliva in i situationer där natur och beräkning, kroppar och dataset, materiella och virtuella rum möts och kolliderar. På så sätt vill vi skapa platser för eftertanke, samtal och en förfinad känslighet inför de sammanflätade framtiderna för teknologi, kultur och miljö.
Varvara Guljajeva, 1984, Estonia
Mar Canet Sola, 1981, Spanien, based in Estonia
We are Varvara & Mar, an artist duo established by Dr Varvara Guljajeva and Mar Canet in 2009, working at the intersection of art, technology, and society. Technology is not only our medium but also our subject: we use it as a tool while simultaneously questioning its promises, ideologies, and blind spots. Our practice asks how our lives, perception, communication, togetherness, and environment are altered by rapid technological development and what it means to be human inside these shifting conditions.
Currently artificial intelligence is a central focus in our work, as both a cultural phenomenon and a material to think with. Our projects aim to provide case studies for creative and meaningful uses of AI and other emerging technologies. We explore the vast wilderness of data produced by contemporary society and look for ways to transform it into experiences that generate reflection rather than just more information. As Jean Baudrillard noted, we inhabit a world where there is “more and more information and less and less meaning”; for us, art is a way to resist this condition by slowing down, contextualizing, and re-embodying data. We are particularly interested in how the cultural sector can open critical conversations about AI, new forms of image and text production, and our growing dependence on high tech infrastructures.
Equally important to our practice is our relationship to the natural world. We approach nature not as something opposed to technology but as a collaborator and tension field. We investigate possible symbioses between the organic and the artificial, asking how coexistence—and even hybridization—might look in today’s neural age. Through artificial landscapes, environmental motifs, and speculative ecologies generated with AI and other digital tools, we explore how technological systems rewrite our ideas of landscape, ecology, and the “natural”.
By engaging with these issues in practice rather than only in theory, we seek a deeper understanding of the processes shaping our time. Our installations, interactive works, and synthetic environments invite audiences to step into scenarios where nature and computation, bodies and datasets, material and virtual spaces collide. In doing so, we hope to create spaces for contemplation, dialogue, and renewed sensitivity to the intertwined futures of technology, culture, and the environment.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Varvara & Mar","publishDate":1776175325992}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92d4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce718a7.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Varvara & Mar, robot and installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b1b/1778240247599/Needle%20In%20A%20Haystack.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A robot works methodically in a stack of hay, tasked with finding a needle. Its movements are both impressive and remarkably meaningless. Its seemingly sole mission makes the technology appear both powerful and helpless at the same time. The artist duo Varvara & Mar work in the intersection between art, technology and nature. In their installations, they let machines, data and organic material meet in situations that are just as playful as they are thought-provoking. In this work, the robot’s precise movements are pitted against the loose hay, inviting reflection on our faith in technology and the role it plays in our lives.
"}}],"title":"Needle in a Haystack","publishDate":1777905095086,"properties":{"id":"OA2602","owner":"OpenArt","inauguration":2026,"address":"Nygatan 7, Örebro","targetgroup":["Vuxen"],"accessibility":["Rullstol"],"epoch":"","material":"Robot, hay, etc.","number":2,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2081310737,59.2720291072,0],"publishDate":1777905095086,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718a7.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Varvara & Mar, Robot och installation.
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b1b/1778240247599/Needle%20In%20A%20Haystack.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En robot arbetar metodiskt i en hög av hö med uppgiften att hitta en nål. Rörelsen är både imponerande och märkligt meningslös. Det till synes enkla uppdraget får tekniken att framstå som både kraftfull och hjälplös på samma gång. Konstnärsduon Varvara & Mar arbetar i mötet mellan konst, teknologi och natur. I sina installationer låter de maskiner, data och organiska material mötas i situationer som är lika lekfulla som tankeväckande. Här ställs robotens exakta rörelser mot det lösa höet, och verket öppnar för reflektion kring vår tilltro till tekniken och den roll den spelar i våra liv.
"}}]},{"name":"Nothing Personal","properties":{"id":"OA2636","owner":"","address":"Utanför Nikolaikyrkan","epoch":"","material":"Fotografi på träskivor","number":36,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/48DF7BY53P","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2107144763,59.2720759433,0],"publishDate":1777464173066,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce710a.html"},"artist":{"name":"Nikita Teryoshin","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000466,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1986, verksam i Tyskland
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117d/1777982930968/Nikita%20Teryoshin%20press%20picture(%C2%A9privat)%20Kopie.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Nikita Teryoshin (f. 1986) är baserad i Berlin. När han var 13 år gammal flyttade hans familj till Dortmund i Tyskland, där han senare tog en kandidatexamen i fotografi. Hans far, Vladimir Teryoshin, var målare och scenograf inom teater och tv. Att besöka sin fars arbetsplats, full av rekvisita och mystiska saker, gjorde ett djupt intryck på Nikita.
Sedan dess har han fortsatt vara intresserad av kulisserna som skapas av medier, industri och politik. Den fotografiska utforskningen av relationen mellan människor och djur är också en stor del av hans arbete.
År 2008, under sina studier, blev han besatt av dokumentärfotografi först efter att ha upptäckt Elliott Erwitts verk och ironi, och senare Martin Parr och Lars Tunbjörk. Han tog examen med projektet ”Hornless Heritage” (2014–2017), som fokuserar på den matrixliknande världen kring moderna mjölkkor. ”Animal Escape Plan” (2021) skildrar djur som lyckats fly från slakterier och överlevt, för att visa dem som hjältar istället för som offer. Hans senaste projekt ”Life Sentence” behandlar djurparkernas artificiella världar. Hans längst pågående projekt, ”Nothing Personal” (2016–pågår), handlar om den globala vapenhandeln. Det vann World Press Photo 2020 och har ställts ut och publicerats brett. År 2024 publicerade han sin första monografi, ”Nothing Personal – the back office of war”, på GOST Books.
Bland hans uppdragsgivare finns bland andra ZEIT, Stern, Spiegel, New Yorker, NYT, GQ, 11Freunde, Bloomberg, SZ och Le Monde. Sedan 2020 driver han även sitt eget lilla förlag, pupupublishing. Han beskriver sina genrer som street, dokumentärt och vardagsskräck, och är medlem i fotografkollektivet Burn My Eye.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e16a.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1986, based in Germany
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117d/1777982930968/Nikita%20Teryoshin%20press%20picture(%C2%A9privat)%20Kopie.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Based in Berlin, Nikita Teryoshin (1986) was born in Leningrad, USSR. When he was 13-years old his family moved to Dortmund, Germany where he went on to earn a Bachelor of Arts in Photography. His father Vladimir Teryoshin was a painter and set designer at the theater and television. Visiting his dad's working place, full of requisites and mysterious stuff, made a deep impression on the Nikita.
Since then he remained interested in backstages set up by the media, industry or politics. Also the photographic research on the relationship between humans and animals is an big part of his work.
In 2008 during his studies after first discovering the work and irony of Elliott Erwitt and later Martin Parr and Lars Tunbjörk, he became obsessed with documentary photography. He graduated with ‘Hornless Heritage’ (2014 - 2017), which focuses on the matrix-like world of the moderm dairy cows. "Animal Escape Plan" (2021) shows animals, who managed to escape the slaughter house and survive, to show them not as victims, but as heroes. His recent project "Life Sentence" deals with the artifical worlds of the Zoos. His longest project ‘Nothing Personal’ (2016 - ongoing) deals with the global arms trade. It won the World Press Photo 2020 and has been exhibited and published widely. In 2024 he published his first monograph ‘Nothing Personal - the back office of war’ with GOST books. His clients a.o. are ZEIT, Stern, Spiegel, New Yorker, NYT, GQ, 11Freunde, Bloomberg, SZ, Le Monde. Since 2020 he is also running his small own publisher pupupublishing. He describes his genres as street, documentary and everyday horror and is a member of Burn My Eye photography collective.
"}}],"title":"Nikita Teryoshin","publishDate":1776172745528}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92a4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce718b5.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Nikita Teryoshin, photography
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b32/1778240254038/nothingpersonal.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Photographs from Nikita Teryoshin’s series Nothing Personal are on display outside St. Nicholas Church. The photos were taken at weapons fairs that were closed to the public during the years 2016–2025 in Europe, Africa, Asia, and North and South America. An oversized playground for adults emerges in the images, with wine, finger food and shiny weapons systems. The dead bodies are mannequins or pixels on screens. Bazookas and machine guns are connected to flat-screen televisions and wars are staged in artificial environments in front of stands filled with ministers, heads of state and businessmen. Teryoshin lives in Berlin and was born in the former Soviet Union. His father worked as a theatre set designer, which sparked an early interest in the behind-the-scenes world of media, industry and politics.
"}}],"title":"Nothing Personal","publishDate":1777903386993,"properties":{"id":"OA2636","owner":"","address":"Outside St. Nicholas Church","epoch":"","material":"Photography on wooden panels","number":36,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2107144763,59.2720759433,0],"publishDate":1777903386993,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718b5.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Nikita Teryoshin, Fotografi
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b32/1778240254038/nothingpersonal.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Utanför Nikolai kyrka visas fotografier ur Nikita Teryoshins serie Nothing Personal. Bilderna är tagna på vapenmässor som varit stängda för allmänheten 2016–2025 i Europa, Afrika, Asien och Nord- och Sydamerika. Här framträder en överdimensionerad lekplats för vuxna med vin, snittar och glänsande vapensystem. De döda kropparna är skyltdockor eller pixlar på skärmar. Bazookor och kulsprutor kopplas till platt-tv-apparater och krig iscensätts i artificiella miljöer inför läktare fyllda av ministrar, statschefer och affärsmän. Teryoshin bor i Berlin och är född i dåvarande Sovjetunionen. Hans far arbetade som teaterscenograf, vilket tidigt väckte ett intresse för kulisserna bakom medier, industri och politik.
"}}]},{"name":"PASSING","properties":{"id":"OA2609","owner":"","inauguration":2026,"address":"Teaterplan","epoch":"","material":"Trä, metall och akrylspegel","number":9,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2129809321,59.2743374832,0],"publishDate":1776329500224,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b991.html"},"artist":{"name":"Gina Disobey","yearofbirth":1986,"publishDate":1748863475189,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1986, Italien, verksam i Österrike
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce727f7/1778170612791/fotoginadisobey%202.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Gina Disobey är en konstnär som arbetar med installation, performance, offentliga interventioner och deltagarbaserade praktiker. Hennes arbete växer ofta fram ur levda erfarenheter och möten med olika gemenskaper, där sociala och politiska situationer översätts till rumsliga strukturer. Genom olika aktiviteter, workshops i tryckning, uppblåsbara strukturer, video och tillfälliga installationer utforskar hon frågor om synlighet, tillhörighet och tillgång till det offentliga rummet.
Samarbete är centralt i hennes metodologi: workshops och kollektiva processer blir en del av den konstnärliga praktiken. Genom att aktivera offentliga miljöer skapar Gina situationer som bjuder in publiken att reflektera över hur gemensamma rum är strukturerade och vem som ges möjlighet att röra sig genom dem.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1986, Italy, lives in Austria
"}},{"name":"Image","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce727f7/1778170612791/fotoginadisobey%202.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Gina Disobey is an artist working with installation, performance, public interventions, and participatory practices. Her work often emerges from lived experiences and encounters with different communities, where social and political situations are translated into spatial structures. Through various activities—printmaking workshops, inflatable structures, video, and temporary installations—she explores questions of visibility, belonging, and access to public space.
Collaboration is central to her methodology: workshops and collective processes become part of the artistic practice itself. By activating public environments, Gina creates situations that invite audiences to reflect on how shared spaces are structured and who is granted the possibility to move through them.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Gina Disobey, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b33/1778240254354/Banner%20till%20konstverkssida%20hemsidan.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"An elephant is standing in front of a portal. The reflecting surface catches the light and those approaching. Through the mirror, the surroundings and the viewer’s gaze become part of the work. The portal suggests a passage, but also a condition: Is it the body that is too big, or the opening that is too small? In Gina Disobey’s work, belonging isn’t taken for granted, but is instead something that is constantly negotiated: in the gaze, in the body, in the structures that surround us. Something is standing in the way and refusing entrance. Is the doorway the only way out?
"}}],"title":"PASSING","publishDate":1777895804737,"properties":{"id":"OA2609","owner":"","inauguration":2026,"address":"Outside Örebro Theatre","epoch":"","material":"Wood, metal and acrylic mirror","number":9,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2129809321,59.2743374832,0],"publishDate":1777895804737,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718c3.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Gina Disobey, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b33/1778240254354/Banner%20till%20konstverkssida%20hemsidan.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En elefant står framför en portal. Den speglande ytan fångar ljuset och de som närmar sig. Genom spegeln blir omgivningen och betraktarens blick en del av verket. Portalen antyder en passage, men också ett villkor: Är det kroppen som är för stor, eller öppningen som är för liten? I Gina Disobeys arbete tas tillhörighet inte för givet, utan är något som ständigt förhandlas: i blicken, i kroppen, i de strukturer som omger oss. Något står i vägen och vägrar tillträde. Är dörröppningen den enda vägen ut?
"}}]},{"name":"Past Present Continous","properties":{"id":"OA2626","owner":"","address":"Strömpisön","epoch":"","material":"Trä, blommor och växter","number":26,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2172138384,59.2730269955,0],"publishDate":1779793771968,"URL":"https://extra.orebro.se/4.52d73c4f19d9a61ee481fd3.html"},"artist":{"name":"Ieva Saulīte","yearofbirth":1991,"publishDate":1768806000238,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1984, Lettland
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":"Foto: Jonas Gričius","src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11171/1777982925489/Ieva-Saluite-photo-Jonas-Gri%C4%8Dius_0210-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Jag är en bildkonstnär vars praktik utforskar de sköra skärningspunkterna mellan kollektivt minne, ekologisk medvetenhet och det mänskliga undermedvetna. Genom att dekonstruera vardagliga och funna material försöker jag visualisera det utrymme där vår medvetenhet möter rädslan för det okända. Under den kreativa processen förlorar vardagsföremål och material sin ursprungliga funktion och förvandlas till poetiska abstraktioner och varelse‑liknande gestalter som reflekterar över det samtida samhällets utopier och dystopier.
Tidigare separatutställningar i närtid inkluderar “Dust Bunnies. Creaturesque” (2025), “Bundles of Persistent Thoughts” (2024) och “Shelter ↔ Storage” (2024). Jag har utvecklat ett visuellt språk där damm, knyten och slitna föremål fungerar som metaforer för våra inre fysiska och emotionella bördor. Denna process fungerar som ett ”subjektivt mått”, som fångar tidens gång och vårt materiella arv.
Utöver materialåtervinning är jag särskilt intresserad av traditionellt hantverk och brukskonst som gradvis håller på att försvinna och ofta endast praktiseras av den äldre generationen. I mina kommande projekt avser jag att lära mig och utbyta dessa färdigheter, integrera dem i min konstnärliga process och skapa en kunskapsbro mellan generationer. Jag är intresserad av att dekonstruera dessa traditionella tekniker och undersöka hur de kan omformas till nya samtida konstformer samtidigt som deras konceptuella värde bevaras.
Min metodologi är förankrad i ”slow art” och hållbarhet. I den digitala tidsåldern väljer jag medvetet traditionella, taktila praktiker för att främja empati och tolerans. Jag tror att konsten är ett universellt språk som gör det möjligt för oss att kommunicera och förstå vår koppling till något större än oss själva. Mitt mål är att skapa ett utrymme för dialog om vår gemensamma framtid genom att förena personlig historia och utdöende hantverk.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1984, Latvia
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":"Foto: Jonas Gričius","src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11171/1777982925489/Ieva-Saluite-photo-Jonas-Gri%C4%8Dius_0210-komprimerad.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I am a visual artist whose practice explores the delicate intersections of collective memory, ecological consciousness and the human subconscious. Through the deconstruction of everyday and found materials, I seek to visualise the space where our awareness meets the fear of the unknown. During the creative process, domestic objects and materials lose their original function and transform into poetic abstractions and 'creature-like' beings that reflect on contemporary society's utopias and dystopias.
Recent solo exhibitions include "Dust Bunnies. Creaturesque" (2025), "Bundles of Persistent Thoughts" (2024) and "Shelter ↔ Storage" (2024). I have developed a visual language in which dust, bundles and worn items serve as metaphors for our internal physical and emotional burdens. This process serves as a 'subjective measurement', capturing the passage of time and our material heritage.
Beyond material recycling, I am particularly interested in traditional handicrafts and applied arts that are gradually disappearing and are often only practised by the older generation. In my upcoming projects, I intend to learn and exchange these skills, incorporating them into my artistic process and creating a bridge of knowledge between generations. I am interested in deconstructing these traditional techniques and exploring how they can be transformed into new contemporary art forms while preserving their conceptual value.
My methodology is rooted in 'slow art' and sustainability. In the digital age, I consciously opt for traditional, tactile practices to foster empathy and tolerance. I believe that art is a universal language which enables us to communicate and understand our connection to something greater than ourselves. My goal is to create a space for dialogue about our shared future by combining personal heritage and disappearing crafts.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Ieva Saulīte, installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.523ac55219e631884d6139/1779793772855/PastPresentContinuous.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In the lush landscape of Strömpisön, a colourful form has appeared. A wooden structure stretches over the ground, like a comet or a shooting star, and points toward a flowerbed. Past Present Continuous has grown out of a collaboration with St. Nicholas Church’s Träffpunkt fellowship and knitting circles. Through conversations about childhood, gardening and personal experiences, the participants have contributed to the expression of this artwork. Each component bears traces of time: like stitches, layers and prints in a common fabric. The installation functions as a vibrant meeting place and opens up for a tactile presence in which the past, the present and that which is yet to come are held together.
"}}],"title":"Past Present Continous","publishDate":1777902078772,"properties":{"id":"OA2626","owner":"","address":"Strömpis Island","epoch":"","material":"Wood, flowers and plants","number":26,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2172138384,59.2730269955,0],"publishDate":1777902078772,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718d1.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Ieva Saulīte, Installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.523ac55219e631884d6139/1779793772855/PastPresentContinuous.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"På Strömpisön tar en färgstark form plats i det gröna landskapet. En träkonstruktion sträcker sig ut över marken, som en komet eller fallande stjärna, och pekar mot en blomsterrabatt. Past Present Continuous har vuxit fram i samarbete med Nikolaikyrkans Träffpunkt och stickgrupper. Genom att samtala om barndom, trädgårdsarbete och personliga erfarenheter har deltagarna bidragit till konstverkets uttryck. Varje del bär spår av tid: som stygn, lager och avtryck i en gemensam väv. Installationen fungerar som en levande plats att samlas kring och öppnar för en taktil närvaro där det förflutna, nuet och det som ännu inte har hänt hålls samman.
"}}]},{"name":"PAVONA (Coral Maze)","properties":{"id":"OA2621","owner":"","address":"Slottsparken","epoch":"","material":"Träbalkar, återvunna fisknät","number":21,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/46DFQB15VQ","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2168679516,59.273608983,0],"publishDate":1776866337446,"URL":"https://extra.orebro.se/4.5fd6cc4619d9a4aa5f7f5c.html"},"artist":{"name":"Océane Jacob","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000465,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1996, Hongkong, verksam i Frankrike
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117e/1777982931504/Oceane%20Jacob%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob är en fransk konstnär med rötter i Hongkong. Hennes tvärdisciplinära praktik lyfter fram skönheten och skörheten i marina ekosystem samtidigt som den tar upp dagens ekologiska och sociopolitiska utmaningar. Genom att främst använda återvunnet material värdesätter hon deras tidigare funktioner och inbäddade berättelser för att skapa hållbara och tankeväckande verk. Genom offentliga och platsspecifika installationer bjuder hon in betraktaren till en pågående dialog mellan konst och miljömedvetenhet.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1996, Hong Kong, based in France
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1117e/1777982931504/Oceane%20Jacob%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob is a French artist with roots in Hong Kong. Her multidisciplinary practice highlights the beauty and fragility of marine ecosystems while addressing today’s ecological and sociopolitical challenges. Primarily using recycled materials, she values their previous functions and embedded narratives to create sustainable, thought-provoking works. Through public and site-specific installations, she invites viewers into an ongoing dialogue between art and environmental awareness.
"}}],"title":"Océane Jacob","publishDate":1776173395490}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9224.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce718df.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob, sculpture and installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b34/1778240254610/PAVONA.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"PAVONA spreads out across Slottsparken as a 30-metre-wide coral structure made of rebar and recycled fishing net collected from the Swedish west coast. Visitors move through a labyrinthine shape that calls to mind the world’s largest known coral, recently discovered in the Pacific Ocean. The work transforms marine waste into permeable architecture and directs attention to the ocean’s vulnerability, not least the last coral reefs in the Koster Sea. The sensuous walk invites reflection on our shared responsibility for life below the surface.
"}}],"title":"PAVONA (Coral Maze)","publishDate":1778058546736,"properties":{"id":"OA2621","owner":"","address":"Örebro Castle Park","epoch":"","material":"Iron and recycled fishing nets","number":21,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2168679516,59.273608983,0],"publishDate":1778058546736,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718df.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Océane Jacob, Skulptur och installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b34/1778240254610/PAVONA.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Slottsparken breder PAVONA ut sig som en 30 meter bred korallstruktur i armeringsjärn och återvunna fiskenät, insamlade från den svenska västkusten. Besökaren rör sig genom en labyrintisk form som för tanken till världens största kända korall, nyligen upptäckt i Stilla havet. Verket omvandlar marint avfall till en genomtränglig arkitektur och riktar blicken mot havens sårbarhet, inte minst de sista korallreven i Kosterhavet. Den sinnliga vandringen öppnar för reflektion kring vårt gemensamma ansvar för livet under ytan.
"}}]},{"name":"Reaching Through Time","properties":{"id":"OA2611","owner":"","inauguration":2026,"address":"Borgen","epoch":"","material":"Jesmonite, stål, rostfritt stål, mekaniska komponenter.","number":11,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2116349348,59.2742823557,0],"publishDate":1776331481675,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b9c8.html"},"artist":{"name":"Christian Ristow","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000281,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA, verksam i Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116e/1777982924327/Christian-Ristow.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Jag tror att konstens viktigaste förmåga är att underlätta förändring och utveckling hos betraktaren genom att framkalla en känslomässig respons.
Under min karriär har mitt konstnärliga uttryck övergått från mekaniskt och känslomässigt frånkopplat arbete, exemplifierat av mitt tidiga fokus på robotar, till verk som omfamnar det mänskliga, det kvinnliga och det emotionella, exemplifierat av mitt nuvarande fokus på människokroppen. Jag är glad att få presentera två nya skulpturer på Open Art 2026, som markerar första gången jag kombinerar traditionell figurativ skulptur med mekaniska element.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e4c.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1970, USA, based in Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116e/1777982924327/Christian-Ristow.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I believe that art’s most important capacity is to facilitate change and growth in the viewer through the provoking of an emotional response.
During my career my artistic output has transitioned from mechanical and unemotional work, exemplified by my early focus on robots, to work that embraces the human, the female, and the emotional, exemplified by my current focus on the human body. I am excited to present two new sculptures at Open Art 2026, which mark the first time I am combining traditional figurative sculpture with mechanical elements.
"}}],"title":"Christian Ristow","publishDate":1776163590882}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9214.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce718ed.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Christian Ristow, interactive sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b35/1778240254880/Reaching%20Through%20Time.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Two bodies rest in a circular sculpture, turned towards one another. They are reaching out so that their fingertips are only millimetres apart. The ring is suspended so as to be set in motion by the visitor, and the distance between the figures changes with the tempo. Christian Ristow works in the borderland between technology and performance and is hailed for his robotic constructions and interactive sculptures. In a time marked by uncertainty, Reaching Through Time clings to what connects people, even when the world around us changes.
"}}],"title":"Reaching Through Time","publishDate":1777904207718,"properties":{"id":"OA2611","owner":"","inauguration":2026,"address":"Borgen","epoch":"","material":"Jesmonite, steel, stainless steel and mechanical components","number":11,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2116349348,59.2742823557,0],"publishDate":1777904207718,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718ed.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Christian Ristow, Interaktiv skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b35/1778240254880/Reaching%20Through%20Time.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Två kroppar vilar i en cirkelformad skulptur, vända mot varandra. De sträcker sig fram så att fingertopparna är millimeter från att mötas. Ringen är upphängd för att sättas i rörelse av besökaren, och avståndet mellan figurerna förändras med tempot. Christian Ristow arbetar i gränslandet mellan teknik och performance, och är uppmärksammad för sina robotiska konstruktioner och interaktiva skulpturer. I en tid präglad av osäkerhet håller Reaching Through Time fast vid det som förbinder människor, även när världen runt omkring förändras.
"}}]},{"name":"Reversed Zoo","properties":{"id":"OA2615","owner":"","inauguration":2026,"address":"Järntorget","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"epoch":"","material":"Byggnadsställning, fallskydd, belysning, dekoration","number":15,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/11DFRBH5BP","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2133564044,59.2752546718,0],"publishDate":1776343334641,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350baa2.html"},"artist":{"name":"JAM Public","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000335,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Julia Bruun, 1975, Norge
Pelle Brage, 1978, Danmark, verksam i Norge
Jam Public experimenterar med vad skulptur – eller konsten i sig – kan vara när den rör sig bortom institutionen. Utanför de vanliga reglerna och de institutionella ramarna kan vad som helst hända – det är som ett äventyr utan gränser. Att ta vår konst ut i det offentliga rummet känns meningsfullt för oss, eftersom det alltid finns en publik som kan titta, delta och interagera – och ett samhälle och ett vardagsliv som konsten kan engagera sig i.
Vi arbetar med många olika tekniker, men främst med skulptur och installation i kombination med relationella metoder. Den relationella aspekten ger skulpturen liv och håller den i ständig utveckling. Därför inkluderar våra projekt ofta publikens deltagande. Vi ser konst som en form av lek, där vi försöker få interaktionen med publiken att bli levande. Vi strävar efter att göra konst till något som kan användas aktivt – något som är meningsfullt för publiken att ta del av.
Tematiskt är vi inte rädda för att blanda estetik, underhållning och politik. För oss handlar det om att skapa verk med flera ingångar – så att de kan nå många olika människor.
Sedan 2010 har vi haft vår bas i Kristiansand. Vi har bland annat skapat och turnerat med ett stort uppblåsbart museum (2020–pågår), genomfört tre tvärdisciplinära upplagor av festivalen P-ART-Y (2023–2025) och utvecklat andra konstpedagogiska projekt. År 2022 presenterade vi 30 olika skulpturer på Kristiansands stora torg och förde samtal med förbipasserande om konst i projektet “What Do You Think?”. Sedan 2023 har vi arbetat med en serie performativa projekt under titeln “Bird Politics”, där vi utforskar frågan: Varför måste naturen alltid ge vika för människan?
Vi tycker om att samarbeta med andra konstnärer i utvecklingen och genomförandet av våra projekt. Det är genom dialog med andra som vi rör oss framåt och utvecklar vårt nästa verk.
Den dagliga verksamheten leds av bildkonstnärerna Pelle Brage (f. 1978) och Julia Rosa Bruun (f. 1975). När projektens ramar tillåter bjuder vi in andra medverkande att delta i utvecklingen och utförandet av våra projekt. På så sätt är vi ibland ”bara” en konstnärsduo – och andra gånger ett stort kollektiv.
Vi strävar efter att förverkliga en känsla av gemenskap genom konstprojekt och experiment. Vi vill dela erfarenheter, idéer och få nya impulser från andra. Detta är både en arbetsmetod för framtiden och ett experiment som speglar vad vi önskar för samhället i stort: dialog, öppenhet och inkludering.
I slutändan handlar vårt arbete om att skapa skulpturala bilder och situationer tillsammans med publiken – att uppmuntra människor att se möjligheter, uttrycka sig och upptäcka att de har en roll att spela – åtminstone inom detta konstverk. Eller att få dem att reflektera över och känna ett problem. Vi uppskattar konst där publiken har en direkt och avgörande roll.
Julia Bruun, 1975, Norway
Pelle Brage, 1978, Denmark, based in Norway
Jam Public experiments with what sculpture – or art itself – can be when it moves beyond the institution. Outside the usual rules and institutional frameworks, anything can happen – it’s like an adventure without limits. Bringing our art into public space makes sense to us, because there’s always an audience that can watch, participate, and interact – and a society and everyday life that art can engage with.
We work with many different techniques, but primarily with sculpture and installation combined with relational methods. The relational aspect gives life to the sculpture, keeping it in constant development. That’s why our projects often include public participation. We see art as a kind of play, where we try to make the interaction with the audience come alive. We strive to make art something that can be used actively – something that makes sense for the audience to take part in.
Thematically, we’re not afraid to mix aesthetics, entertainment, and politics. For us, it’s about creating artworks with multiple points of entry – so that they can reach many different people.
Since 2010, we’ve been based in Kristiansand. We have, among other things, created and toured with a large inflatable museum (2020–present), carried out three interdisciplinary editions of the festival P-ART-Y (2023–2025), and developed other art mediation projects. In 2022, we presented 30 different sculptures in Kristiansand’s main square and held conversations with passersby about art in the project “What Do You Think?”. Since 2023, we’ve been working on a series of performative projects under the title “Bird Politics”, exploring the question: Why must nature always make way for humans?
We enjoy collaborating with other artists in the development and realization of our projects. It’s through dialogue with others that we move forward and evolve our next artwork.
The daily operations are led by visual artists Pelle Brage (b. 1978) and Julia Rosa Bruun (b. 1975). When project frameworks allow, we invite other contributors to join in the development and execution of our projects. In this way, we are sometimes “just” an artist duo – and other times a large collective.
We aim to realize a sense of community through art projects and experiments. We want to share experiences, ideas, and gain new impulses from others. This is both a working method for the future and an experiment that reflects what we wish for society as a whole: dialogue, openness, and inclusion.
Ultimately, our work is about creating sculptural images and situations together with the audience – encouraging people to see possibilities, express themselves, and discover that they have a role to play – at least within this artwork. Or to make them reflect on and feel a problem. We appreciate art where the audience has a direct and essential role.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"JAM Public","publishDate":1776166757042}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9244.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce718fb.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"JAM Public, Interactive installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b36/1778240255165/Reversed%20Zoo.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A colourful structure rises up over Järntorget. In the art installation Reversed Zoo, the roles are reversed: people are put into cages, while animals roam freely. With the help of costumes, play and imagination, visitors are invited to become part of the work. The creative workshop has materials to create your own costumes with wings, ears and fur. It’s open every day during the summer and transforms the square into a party. What happens changes depending on who is participating and what they bring with them. JAM PUBLIC is an experimental artist collective based in Norway that works in the borderland between sculpture, situation and social space. What first looks like a construction site unfolds into an adventure, where the boundary between audience and participant is dissolved.
"}}],"title":"Reversed Zoo","publishDate":1777895761004,"properties":{"id":"OA2615","owner":"","inauguration":2026,"address":"Järntorget","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"epoch":"","material":"?","number":15,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2133564044,59.2752546718,0],"publishDate":1777895761004,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce718fb.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"JAM Public, Interaktiv installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b36/1778240255165/Reversed%20Zoo.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"På Järntorget reser sig en färgglad konstruktion. I konstinstallationen Reversed Zoo vänds rollerna om: människor kliver in i burar, medan djuren rör sig fritt. Med hjälp av kostymer, lek och fantasi bjuds besökare in att bli en del av verket. Den kreativa verkstaden har material för att skapa egna kostymer med vingar, öron och päls. Under sommaren är den öppen varje dag och förvandlar torget till en fest. Det som sker förändras beroende på vilka som deltar och vad de för med sig. JAM PUBLIC är ett experimentellt konstnärskollektiv baserat i Norge, som arbetar i gränslandet mellan skulptur, situation och sociala rum. Det som först liknar en byggarbetsplats öppnar sig som ett äventyr, där gränsen mellan publik och deltagare löses upp.
"}}]},{"name":"Shelter Pavilion","properties":{"id":"OA2610","owner":"","inauguration":2026,"address":"Svartån, Teaterplan","epoch":"","material":"Återbrukat material. Trä, fönster och dörrar.","number":10,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.21256506,59.2740985341,0],"publishDate":1776330906606,"URL":"https://extra.orebro.se/4.79127a5519d8aca350b9a8.html"},"artist":{"name":"José Luis Torres","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000321,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1968, Argentina, verksam i Kanada
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11174/1777982926849/Jose%20Luis%20Torres.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I mitt arbete försöker jag stimulera relationen mellan platsen, mina verk och den individ som upplever dem. Min konstnärliga praktik består främst av skulptur, installation och platsspecifika projekt. Den drivs av tanken om rumsappropriering och om att kapa betydelser genom enkla handlingar med material från vår vardagliga omgivning. Rum och plats är mycket viktiga i mitt arbete, både i den kreativa processen och i verket i sig. Spontanitet och ackumulation återkommer ofta i min praktik och är kopplade till idéer om sparsamhet, överlevnad, arbetskraft och ready‑made‑traditionen. På ett lekfullt sätt bottnar mina verk i en reflektion över fenomenet samexistens med oplanerade element som påverkar varandra och tillsammans bildar miljöer i ständig förändring. I mina projekt “iscensätts” verken för att ompröva de konventionella utställningsnormerna för konstverk, men också den idealiserade bilden av konstnären. Att “klara sig med det som finns” är ett behov hos mig och en av grundpelarna i min process. Genom successiva konstruktioner och “dekonstruktioner” utforskar jag hur vi tar plats i rummet, och använder hantverkets regler på ett subversivt sätt.
I mina senaste projekt tar jag mig an frågan om föremålens värde som vittnen till historien och deras paradoxala status, då de både är fundamentala och tillfälliga. Genom upprepade manipulationer undersöker jag mekanismerna bakom konstruktionen och dekonstruktionen av deras identitet. Under de senaste åren har jag skapat “installativa” och kortlivade verk. Dessa ofta storskaliga arbeten integreras i arkitekturen eller i sin omedelbara omgivning. Sådana projekt har gjort det möjligt för mig att skapa autonoma verk i det offentliga rummet som fungerar som “indikatorer” för samtidskonst. Verken etablerar sig på platsen och relaterar till den genom sin stora skala och sin förmåga att ta in och omforma det sammanhang de placeras i, oavsett om det är en naturlig eller urban miljö.
Med ett särskilt intresse för föremålets symboliska värde erbjuder jag i varje projekt en serie upplevelser där platsens arkitektoniska, kulturella och sociala särdrag är intimt sammanlänkade.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2ec0.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1968, Argentina, based in Canada
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11174/1777982926849/Jose%20Luis%20Torres.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In my work, I attempt to stimulate the relationship between location, my pieces and the individual experiencing it. My artistic practice is mainly sculpture, installation and site-specific projects. It is propelled by the notion of appropriation of space and by the hijacking of meaning, through simple actions on materials from our daily surroundings. Space and place are very important in my work, both in the creative process in the work itself. Spontaneity and accumulation are recurrent in my practice, which is linked to the ideas of savings, survival, workforce and ready-made. In a playful way, my works are rooted into a reflection on the phenomenon of the coexistence with unplanned elements modifying one another to form environments in constant evolution. In my projects, my pieces are “staged” as to rethink the conventional exhibition standards for works of art, but also the idealized image of the artist. “Make do with” is a need of mine and one of the bases of my process. Through progressive constructions and “deconstructions”, I explore the ways we occupy space, using the rules of handicraft in a subversive manner.
In my recent projects, I tackle the question of the objects’ value as witnesses of history, and their paradoxical status, as they are both fundamental and incidental. Through multiple manipulations, I explore the mechanisms of the construction/deconstruction of their identity. In the last few years, I have created “installative” and short-lived works. These mostly large-scale pieces are integrated into the architecture or into their immediate surroundings. Such projects have allowed me to create autonomous works in the public space that act as “indicators” of contemporary art. These works settle in and relate to the sites with their large scale and their ability to take charge of the context they invest, whether it is a natural or urban setting. With a particular interest in the symbolic value of the object, I offer through each project a series of experiences where the architectural, cultural and social specificities of the site are intrinsically connected.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"José Luis Torres","publishDate":1776168258662}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9254.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71909.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"José Luis Torres, interactive installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b37/1778240255512/Shelter%20Pavilion.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"A pavilion built of wood, doors and windows floats on the Svartån River, forming an open space with several passengers. José Luis Torres often works with recycled materials from construction and demolition sites. By collecting, stacking and reshaping the parts, he creates temporary architectural elements that materialize in relation to their installation location. In his work, he touches on issues of migration, survival and how people create new living environments. Shelter Pavilion can be seen as both a temporary residence and a bodily form. For Torres, the simple hut becomes an image of human inner space, raising questions of home, belonging and vulnerability.
"}}],"title":"Shelter Pavilion","publishDate":1777904146925,"properties":{"id":"OA2610","owner":"","inauguration":2026,"address":"In the Svartån River, by Örebro Theatre","epoch":"","material":"Recycled materials. Wood, windows and doors.","number":10,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.21256506,59.2740985341,0],"publishDate":1777904146925,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71909.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"José Luis Torres, Interaktiv installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b37/1778240255512/Shelter%20Pavilion.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En paviljong byggd av trä, dörrar och fönster flyter på Svartån och bildar ett öppet rum med flera passager. José Luis Torres arbetar ofta med återbruksmaterial från bygg- och rivningsplatser. Genom att samla, stapla och omforma delarna skapar han tillfälliga arkitekturer som växer fram i relation till platsen. I arbetet berör han frågor om migration, överlevnad och hur människor skapar nya livsmiljöer. Shelter Pavilion kan ses både som en tillfällig bostad och en kroppslig form. Den enkla hyddan blir för Torres en bild för människans inre rum där frågor om hem, tillhörighet och sårbarhet blir synliga.
"}}]},{"name":"Solastalgia Pangolin","properties":{"id":"OA2634","owner":"","address":"Utanför Nikolaikyrkan","targetgroup":["Vuxen","Barn"],"epoch":"","material":"Trä, metall, glas, linoljefärg, textil och böcker","number":34,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2113560625,59.2719949516,0],"publishDate":1777533611085,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7de.html"},"artist":{"name":"Rören/Johannessen","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000334,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Erik Rören, f. 1972, Sverige
Signe Johannessen, f. 1978, Norge, verksam i Sverige
Som duon Rören/Johannessen utforskar vi offentliga rum genom deltagande processer, publika undersökningar och tvärvetenskapliga allianser. Jordens föränderlighet och det planetära läget formar vår praktik, där skulpturala och sociala manifestationer öppnar för nya tankesätt och gemenskaper. Platsens behov, mänskliga och icke-mänskliga, leder oss mot storskaliga verk som stör maktordningen, väcker nyfikenhet och förflyttar tolkningsprivilegier.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.31373b8a19d8b526f2e243.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Erik Rören, 1972, Sweden
Signe Johannessen, 1978, Norway, based in Sweden
As the duo Rören/Johannessen, we explore public space through participatory processes, public inquiry, and cross-disciplinary alliances. Earth’s instability and our planetary condition shape our practice, where sculptural and social manifestations open new ways of thinking and forming communities. The needs of human and more-than-human inhabitants guide site-specific processes that generate large-scale works which unsettle dominant power dynamics, spark curiosity, and expand interpretation.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":""}},{"name":"Bild 2","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116d/1777982924210/MC%20EU%20LOGO%20WEBB.png"}}],"title":"Rören/Johannessen","publishDate":1776174882468}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e92c4.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71917.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Rören/Johannessen, interactive sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b38/1778240255731/pangolinskiss.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Solastalgia Pangolin is a six-metre-tall sculptural structure with a bow-shaped body housing several rooms. Inside is a place to rest and read, with a small library relating how we can understand and care for the world around us. The artist duo Rören/Johannessen describes the work as a sort of field hospital for thoughts and feelings in a time marked by climate change and planetary anxiety. The protective shape may call to mind the pangolin – the scaled mammal that rolls itself into a ball when it is threatened. The shelter provides space for recovery, reflection and conversation. The sculpture functions as an open meeting place where visitors can imagine other ways of living together with each other and with the Earth.
"}}],"title":"Solastalgia Pangolin","publishDate":1777903105023,"properties":{"id":"OA2634","owner":"","address":"Outside St. Nicholas Church","epoch":"","material":"Wood, metal, glass, linseed oil paint, textile and books.","number":34,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2113560625,59.2719949516,0],"publishDate":1777903105023,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71917.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Rören/Johannessen, Interaktiv skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b38/1778240255731/pangolinskiss.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Solastalgia Pangolin är en sex meter hög skulptural byggnad med en bågformad kropp som rymmer flera rum. Inuti finns en plats att vila och läsa, med ett litet bibliotek om hur vi kan förstå och ta hand om världen omkring oss. Konstnärsduon Rören/Johannessen beskriver verket som ett slags fältsjukhus för tankar och känslor i en tid präglad av klimatförändringar och planetär oro. Den skyddande formen kan föra tankarna till pangolinen – det fjällklädda däggdjuret som rullar ihop sig till en boll när det hotas. Här finns utrymme för återhämtning, reflektion och samtal. Skulpturen fungerar som en öppen mötesplats där besökare kan föreställa sig andra sätt att leva tillsammans med varandra och med jorden.
"}}]},{"name":"Stallos lasso / Stallus suohpan","properties":{"id":"OA2623","owner":"","address":"I vattnet mellan slottsparken och museiparken","epoch":"","material":"Gullackerat järn","number":23,"signlanguage":{"URL":"https://play.mediaflow.com/ovp/17/65DFVBG58P","mimeType":null,"linkType":"EXTERNAL"},"soundfile":null,"coordinates":[15.2180459852,59.2736898511,0],"publishDate":1777533604547,"URL":"https://extra.orebro.se/4.52d73c4f19d9a61ee481fa5.html"},"artist":{"name":"Lena Stenberg","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000288,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1961, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11178/1777982928802/Lena%20Stenberg%20IMG_1229%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Mellan Gränser - Between borders - Rájit gaska
Jag är uppvuxen i Laevas sameby utanför Kiruna. Sveriges största gruvföretag ligger på samebyns marker. Så samebyn har alltid varit hårt trängda av gruvnäringen i området.Samtidigt som den har försett huvudstaden Kiruna och hela Sverige med råvaru inkomster. Vilket naturligtvis har präglat mig. Min släkt har både mors och fars sida förgreningar från släkter som har tvångsförflyttades från Karesuando - Tromsö området. Jag har följt min släkt genom gamla foton och dokument. Hur deras rötter med markområdena i det nationella staterna Finland och Norge kapades för alltid.
Kontakta med de gamla boplatserna och flyttlederna bryts. Efter det nya gränsdragningarna 1919 som sedan gjorde att svenska staten tvångsförflyttade stora grupper av samer från Karesuando längre söderut.
Jag arbetar ofta från det perspektiv som är mitt, mina erfarenheter och den politiska kamp som jag vuxit upp med. Miljö och natur är viktiga aspekter i mitt skapande. Men även aktuella händelser och historia En viktig ingång i mitt konstnärskap blev när jag fick ett fotoalbum av min mormor, när jag var i 20-årsåldern. Med många släktfotografier. Det var bilder från Arjeplog dit mormor blev tvångsförflyttade i sin ungdom. Nord samerna utgjorde ett exotiskt inslag, så det fanns mängder av fotografier av hennes familj och släkt. Då började jag förstå hur hemsk den samiska historien var under 1900-talet, som ändå är så nära i tid. Vilka övergrepp som skett, hur man förträngt och tvångsförflyttade samer. När de nordiska länderna förstärkte sina nationella gränser och ansåg att marken behövdes till andra näringar. Det gjorde att många familjer blev splittrade och tvångsförflyttade av svenska staten. Till främmande bosättningar längre söderut i Sverige. Till områden med annan renskötsel, kultur och språk. Ett övergrepp som påverkar den samiska samtiden än idag.
Natur, kultur, identitet och frågor om tillhörighet är ofta ett tema i mina arbeten. Om bakgrund och tillhörighet till platser och naturlandskap. Hur miljö, natur och platser präglar människans identitet och livsvillkor. Hur platsers historia hänger ihop med samtidens händelser. Mina konstnärliga arbeten har ofta rört sig mellan att skildra historiska reflektioner och politiska frågor. Min konst har också gett uttryck för människans behov av skydd i tillvaron. Mot klimat, väder, miljö och annan yttre påverkan som exploatering av land. Miljöförstöring och markexploatering är ett tema som jag också ofta arbetar med. Som i konstprojekt som Mark användning, Time out och Landskap takeover. Eller som i konstverken Deformationszon och Girun.
1961, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11178/1777982928802/Lena%20Stenberg%20IMG_1229%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I grew up in the Laevas Sámi community outside Kiruna. Sweden’s largest mining company operates on the community’s land. The Sámi community has therefore always been heavily pressured by the mining industry in the area, while at the same time providing the city of Kiruna and the whole of Sweden with raw material income. This has naturally shaped me. On both my mother’s and father’s sides, my family descends from people who were forcibly relocated from the Karesuando–Tromsö region. I have traced my family through old photographs and documents, seeing how their roots with the lands in Finland and Norway were severed forever.
The connection to the old settlements and migration routes was broken. After the new border agreements of 1919, the Swedish state forcibly relocated large groups of Sámi from Karesuando further south.
I often work from my own perspective, my experiences, and the political battle I grew up with. Environment and nature are important aspects of my practice, as are current events and history. A key turning point in my artistic work came when my grandmother gave me a photo album in my twenties, filled with family photographs. They were images from Arjeplog, where she had been forcibly relocated as a young woman. The North Sámi were seen as exotic, so there were countless photographs of her family and relatives. It was then I began to understand how devastating Sámi history was during the 20th century, a period still so close in time. The abuses that took place, the suppression and forced relocations of Sámi people. When the Nordic countries strengthened their national borders and decided the land was needed for other industries. Many families were split apart and forcibly moved by the Swedish state to unfamiliar settlements further south, to areas with different reindeer herding practices, cultures and languages. An act of violence that continues to affect Sámi life today.
Nature, culture, identity and questions of belonging are recurring themes in my work. I explore background and connection to places and natural landscapes, and how environment, nature and place shape human identity and living conditions. How the history of a place is intertwined with contemporary events. My artistic practice often moves between historical reflection and political issues. My work also expresses the human need for protection in life, against climate, weather, environment and other external forces such as land exploitation. Environmental destruction and land use are themes I frequently return to, as in the art projects Mark användning, Time out and Landskap takeover, or in the works Deformationszon and Girun.
"}}],"title":"Lena Stenberg","publishDate":1776926685394}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9234.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce71925.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b39/1778240256157/lasso.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In Stállo’s Lasso / Stallus suohpan, Lena Stenberg brings mythology into the present. Stállo is the giant who in the stories wants to destroy the Sámi, but who is defeated by cunning. The work unites two well-known forms: the lavvu and the lasso, tools that are still used in reindeer herding. The large throwing line can also be viewed as a snare or a noose – an image of how the Sámi culture was repressed by state and economic interests. Stenberg grew up in the Sámi village of Laevas outside Kiruna and carries her family’s experiences of the forced displacements of the early 1900s. In her art, she connects historical memories to current power conflicts and shows how they continue to shape both people and landscape.
"}}],"title":"Stallos lasso / Stallus suohpan","publishDate":1777904500595,"properties":{"id":"OA2623","owner":"","address":"In the water between Örebro Castle Park and the Museum Park","epoch":"","material":"Järn","number":23,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2180459852,59.2736898511,0],"publishDate":1777904500595,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71925.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b39/1778240256157/lasso.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I Stallos lasso / Stallus suohpan knyter Lena Stenberg samman mytologi och samtid. Stallu är jätten som i berättelserna vill förgöra samer, men som besegras med list. Verket förenar två välkända former: lavvun och lassot, redskap som fortfarande används i renskötseln. Den stora kastlinan kan samtidigt uppfattas som en snara – en bild av hur samisk kultur trängs undan av statliga och ekonomiska intressen. Stenberg är uppvuxen i Laevas sameby utanför Kiruna och har med sig sin släkts erfarenheter av tvångsförflyttningarna i början av 1900-talet. I hennes konstnärskap kopplar hon historiska minnen till dagens markkonflikter och visar hur de fortsatt präglar både människor och landskap.
"}}]},{"name":"The Garden of Fragments","properties":{"id":"OA2629","owner":"","address":"Stortorget","epoch":"","material":"Vitvaror, växter ","number":29,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2144379633,59.2716401996,0],"publishDate":1777445463719,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce76d.html"},"artist":{"name":"Bahzad Sulaiman","yearofbirth":1991,"publishDate":1748863474582,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1991, Syrien, verksam i Tyskland
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116c/1777982923963/Bahzad%20sulaiman%20%C2%A9%20Christoph%20Holz%20(46).webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Jag är en kurdisk-syriansk konstnär verksam och boende i Tyskland. Mitt konstnärskap präglas av personliga minnen, förflyttning och transformation. Mitt arbete är grundat i ett tvärsektoriellt informationssökande och inkluderar bildkonst, performances och fysiska installationer. Jag undersöker i mitt konstnärskap hur fysiska objekt, olika utrymmen och kroppar bär på minnen, identitet och ekologisk meningsfullhet.
Med min bakgrund färgad av tvångsförflyttning och med en marginaliserad kulturhistoria så utforskar jag olika former av tillhörighet och det föränderliga i identitetens natur. Jag jobbar med vardagliga objekt, oftast de från hemmiljöer och hur dessa objekt är tysta vittnen av upplevda erfarenheter. När man ändrar kontexten på dessa vardagliga objekt avslöjas ett narrativ färgat av omsorg, konsumtion och hållbar flexibilitet. Jag dras till konflikten mellan funktion och misslyckanden och hur åldrande kan skapa ett nytt utrymme för reflektion och möjligheten till en poetisk intervention.
Min konstnärliga praktik omvärderar skulpturala former genom att använda kroppen som en ”mobil köttskulptur” och behandla vardaglig hemelektronik som arkivenheter. På senare år har jag arbetat med ljus och ljud som skulpturala inslag i min konst. Genom samhällsengagemang, aktivt deltagande och tvärsektoriellt samarbete är mitt mål att skapa inspirerande miljöer där åskådarna bjuds in till att känna efter, minnas och ifrågasätta, i stället för att endast betrakta.
Mitt arbete föreslår att konst kan fungera som ett utrymme för lyssnade. Att lyssna på varandra, på objekten vi slänger och på de osynliga system som formar både våra materiella och känslomässiga liv.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1991, Syria, lives in Germany
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f1116c/1777982923963/Bahzad%20sulaiman%20%C2%A9%20Christoph%20Holz%20(46).webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I am a Kurdish-Syrian artist living and working in Germany, whose practice is shaped by personal memory, displacement, and transformation. My work is rooted in interdisciplinary research that spans visual, performative, and installative mediums, exploring how objects, spaces, and bodies carry memory, identity, and ecological meaning.
Coming from a background marked by forced migration and cultural marginalization, I engage with systems of belonging and the fluid nature of identity. I approach everyday objects, particularly those from domestic environments, as silent witnesses to lived experience. When recontextualized, they reveal narratives of care, consumption, and resilience. I am drawn to the tension between function and failure, and how moments of obsolescence can create space for reflection and poetic intervention.
My artistic approach, driven by ongoing research, reinterprets sculptural forms by conceptualizing the human body as a "mobile fleshy sculpture" and treating electrical household appliances as archival entities. In recent years, I have worked with light and sound as sculptural, intangible materials. These elements animate discarded forms and offer alternative readings of the familiar. Through community engagement, participatory processes, and cross-disciplinary collaboration, I aim to create immersive environments where viewers are invited not only to observe but to feel, remember, and question.
Ultimately, my work proposes that art can serve as a space for listening. Listening to one another, to the objects we discard, and to the invisible systems that shape our material and emotional lives.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Bahzad Sulaiman, sculpture and installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b3a/1778240256478/gardenoffragments2.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En trädgård växer fram ur gamla kylskåp, spisar och tvättmaskiner. Uttjänta vitvaror har byggts om till planteringar där växter breder ut sig mellan metall och kablar. Installationens former för tanken till Babylons hängande trädgårdar, men här består strukturen av vardagens övergivna föremål. Bahzad Sulaiman är en kurdisk-syrisk konstnär bosatt i Tyskland. Han arbetar ofta med objekt från hemmiljöer och undersöker hur de bär på minnen av arbete, konsumtion och livsvillkor. Genom att plocka isär och sätta samman dem på nytt förskjuts deras betydelse. I The Garden of Fragments möts det industriella och det organiska i ett landskap där rester av teknik blir grogrund för nytt liv.
"}}],"title":"The Garden of Fragments","publishDate":1778059682799,"properties":{"id":"OA2629","owner":"","address":"Stortorget","epoch":"","material":"Appliances, plants","number":29,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2144379633,59.2716401996,0],"publishDate":1778059682799,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71941.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Bahzad Sulaiman, skulptur och installation
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b3a/1778240256478/gardenoffragments2.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"En trädgård växer fram ur gamla kylskåp, spisar och tvättmaskiner. Uttjänta vitvaror har byggts om till planteringar där växter breder ut sig mellan metall och kablar. Installationens former för tanken till Babylons hängande trädgårdar, men här består strukturen av vardagens övergivna föremål. Bahzad Sulaiman är en kurdisk-syrisk konstnär bosatt i Tyskland. Han arbetar ofta med objekt från hemmiljöer och undersöker hur de bär på minnen av arbete, konsumtion och livsvillkor. Genom att plocka isär och sätta samman dem på nytt förskjuts deras betydelse. I The Garden of Fragments möts det industriella och det organiska i ett landskap där rester av teknik blir grogrund för nytt liv.
"}}]},{"name":"Torkställ / Suonjir","properties":{"id":"OA2622","owner":"","address":"Museiparken","epoch":"","material":"Trä, textil","number":22,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2175619644,59.2735412987,0],"publishDate":1776867184045,"URL":"https://extra.orebro.se/4.5fd6cc4619d9a4aa5f7f6e.html"},"artist":{"name":"Lena Stenberg","yearofbirth":1991,"publishDate":1774422000288,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1961, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11178/1777982928802/Lena%20Stenberg%20IMG_1229%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Mellan Gränser - Between borders - Rájit gaska
Jag är uppvuxen i Laevas sameby utanför Kiruna. Sveriges största gruvföretag ligger på samebyns marker. Så samebyn har alltid varit hårt trängda av gruvnäringen i området.Samtidigt som den har försett huvudstaden Kiruna och hela Sverige med råvaru inkomster. Vilket naturligtvis har präglat mig. Min släkt har både mors och fars sida förgreningar från släkter som har tvångsförflyttades från Karesuando - Tromsö området. Jag har följt min släkt genom gamla foton och dokument. Hur deras rötter med markområdena i det nationella staterna Finland och Norge kapades för alltid.
Kontakta med de gamla boplatserna och flyttlederna bryts. Efter det nya gränsdragningarna 1919 som sedan gjorde att svenska staten tvångsförflyttade stora grupper av samer från Karesuando längre söderut.
Jag arbetar ofta från det perspektiv som är mitt, mina erfarenheter och den politiska kamp som jag vuxit upp med. Miljö och natur är viktiga aspekter i mitt skapande. Men även aktuella händelser och historia En viktig ingång i mitt konstnärskap blev när jag fick ett fotoalbum av min mormor, när jag var i 20-årsåldern. Med många släktfotografier. Det var bilder från Arjeplog dit mormor blev tvångsförflyttade i sin ungdom. Nord samerna utgjorde ett exotiskt inslag, så det fanns mängder av fotografier av hennes familj och släkt. Då började jag förstå hur hemsk den samiska historien var under 1900-talet, som ändå är så nära i tid. Vilka övergrepp som skett, hur man förträngt och tvångsförflyttade samer. När de nordiska länderna förstärkte sina nationella gränser och ansåg att marken behövdes till andra näringar. Det gjorde att många familjer blev splittrade och tvångsförflyttade av svenska staten. Till främmande bosättningar längre söderut i Sverige. Till områden med annan renskötsel, kultur och språk. Ett övergrepp som påverkar den samiska samtiden än idag.
Natur, kultur, identitet och frågor om tillhörighet är ofta ett tema i mina arbeten. Om bakgrund och tillhörighet till platser och naturlandskap. Hur miljö, natur och platser präglar människans identitet och livsvillkor. Hur platsers historia hänger ihop med samtidens händelser. Mina konstnärliga arbeten har ofta rört sig mellan att skildra historiska reflektioner och politiska frågor. Min konst har också gett uttryck för människans behov av skydd i tillvaron. Mot klimat, väder, miljö och annan yttre påverkan som exploatering av land. Miljöförstöring och markexploatering är ett tema som jag också ofta arbetar med. Som i konstprojekt som Mark användning, Time out och Landskap takeover. Eller som i konstverken Deformationszon och Girun.
1961, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11178/1777982928802/Lena%20Stenberg%20IMG_1229%20komp.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"I grew up in the Laevas Sámi community outside Kiruna. Sweden’s largest mining company operates on the community’s land. The Sámi community has therefore always been heavily pressured by the mining industry in the area, while at the same time providing the city of Kiruna and the whole of Sweden with raw material income. This has naturally shaped me. On both my mother’s and father’s sides, my family descends from people who were forcibly relocated from the Karesuando–Tromsö region. I have traced my family through old photographs and documents, seeing how their roots with the lands in Finland and Norway were severed forever.
The connection to the old settlements and migration routes was broken. After the new border agreements of 1919, the Swedish state forcibly relocated large groups of Sámi from Karesuando further south.
I often work from my own perspective, my experiences, and the political battle I grew up with. Environment and nature are important aspects of my practice, as are current events and history. A key turning point in my artistic work came when my grandmother gave me a photo album in my twenties, filled with family photographs. They were images from Arjeplog, where she had been forcibly relocated as a young woman. The North Sámi were seen as exotic, so there were countless photographs of her family and relatives. It was then I began to understand how devastating Sámi history was during the 20th century, a period still so close in time. The abuses that took place, the suppression and forced relocations of Sámi people. When the Nordic countries strengthened their national borders and decided the land was needed for other industries. Many families were split apart and forcibly moved by the Swedish state to unfamiliar settlements further south, to areas with different reindeer herding practices, cultures and languages. An act of violence that continues to affect Sámi life today.
Nature, culture, identity and questions of belonging are recurring themes in my work. I explore background and connection to places and natural landscapes, and how environment, nature and place shape human identity and living conditions. How the history of a place is intertwined with contemporary events. My artistic practice often moves between historical reflection and political issues. My work also expresses the human need for protection in life, against climate, weather, environment and other external forces such as land exploitation. Environmental destruction and land use are themes I frequently return to, as in the art projects Mark användning, Time out and Landskap takeover, or in the works Deformationszon and Girun.
"}}],"title":"Lena Stenberg","publishDate":1776926685394}],"URL":"https://extra.orebro.se/4.54f9787d19c4794a0e9234.html"},"translations":[{"locale":"en","URI":"/4.73f273ca19dd7971ce7195d.html","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b3b/1778240256746/Torkst%C3%A4ll.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg grew up in the Sámi village of Laevas outside Kiruna, where the mining industry has long set the conditions for both landscape and life. Her family experienced the involuntary displacements of the early 1900s, when Sámi families were forced to leave their grazing lands in Karesuando. As a young girl, she looked through her grandmother’s photo album and encountered stories of families that had been scattered and placed in new contexts. In Drying Rack / Suonjir, she returns to a form that was once an indispensable part of life in Sámi homes, where clothing and tools were dried and stored close to nature. The drying rack raises questions about land, belonging and borders that still shape our lives today.
"}}],"title":"Torkställ / Suonjir","publishDate":1778060541433,"properties":{"id":"OA2622","owner":"","address":"The museum park","epoch":"","material":"Wood, textile","number":22,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2175619644,59.2735412987,0],"publishDate":1778060541433,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7195d.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b3b/1778240256746/Torkst%C3%A4ll.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Lena Stenberg är uppvuxen i Laevas sameby utanför Kiruna där gruvnäringen länge har satt villkoren för landskap och liv. I hennes släkt finns erfarenheter av tvångsförflyttningarna i början av 1900-talet, när samiska familjer tvingades lämna sina betesmarker i Karesuando. Som ung tog hon del av sin mormors fotoalbum och mötte berättelser om familjer som splittrats och placerats i nya sammanhang. I Torkställ / Suonjir återvänder hon till en form som en gång var självklar på samiska boplatser, där kläder och redskap torkades och förvarades nära naturen. Torkstället väcker frågor om mark, tillhörighet och gränser som fortfarande präglar vår samtid.
"}}]},{"name":"Trädet","properties":{"id":"OA2627","owner":"","address":"Svartån vid Wasabron","epoch":"","material":"Järn och aluminium","number":27,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2149688052,59.2735378741,0],"publishDate":1779793821437,"URL":"https://extra.orebro.se/4.52d73c4f19d9a61ee481fe0.html"},"artist":{"name":"Tova Lilja & Emil Faisal Hasselberg","yearofbirth":1991,"publishDate":1768806000212,"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Tova Lilja, 2000, Sverige
Emil Faisal Hasselberg, 1999, Sverige
Tova Lilja (f. 2000, Köping) arbetar med visuell och konceptuell konst. Hon följer spåren som lämnats efter människor, drömmar, minnen och det magiska. Verken blir en manifestation eller visuell sammanfattning av det som visats för henne.
Emil Faisal Hasselberg (f. 1999, Göteborg) är en svensk-afghansk konstnär baserad i Umeå. I Emils konstnärliga praktik är hantverket i dialog med ett konceptuellt tankesätt. Han uttrycker sig främst i metall genom skulptur och installationer. Att skapa rörliga objekt, där samspelet med rummet blir en källa för interaktivitet, är återkommande i Emils konstnärskap. Han strävar efter ett organiskt förhållningssätt och att endast använda sig av återbrukade och återvunna material. I sitt arbete undersöker han teman som våra sociala relationer till skogen och skogsbruket samt frågor rörande identitet och ursprung.
Tillsammans vill vi, genom en ömsesidig nyfikenhet för varandras processer, idéer och formspråk, undersöka vad som kan uppstå i mötet mellan våra praktiker.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Tova Lilja, 2000, Sweden
Emil Faisal Hasselberg, 1999, Sweden
Tova Lilja works with visual and conceptual art. She follows the traces left behind by people, dreams, memories and the magical. The works become a manifestation or visual summary of what has been shown to her.
Emil Faisal Hasselberg is a Swedish-Afghan artist based in Umeå. In Emil’s artistic practice, craftsmanship is in dialogue with a conceptual way of thinking. He primarily works in metal through sculpture and installations. Creating moving objects, where the collaboration with the space becomes a source of interactivity, is a recurring element in Emil’s work. He strives for an organic approach and uses only repurposed and recycled materials. His work explores themes such as our social relationships to the forest and forestry, as well as questions concerning identity and origin.
Together, through a mutual curiosity for each other’s processes, ideas and visual languages, we want to explore what can emerge in the meeting between our practices.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Tova Lilja & Emil Faisal Hasselberg, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.523ac55219e631884d613a/1779793822527/tr%C3%A4det.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Rising up from waters of the Svartån River is a seven-metre-high metal tree. Branches dance in the air and the leaves interact with the wind to create a glittering soundscape. The sculpture is site-activated, and the sound is brought to life by the movements around it. The work is intended as a gathering place where shapes and sounds together create a space for mindfulness. In the work, great focus has been placed on manual processes and the inherent nature of the material. In collaboration with confirmation candidates from St. Nicholas Church, the artists have explored collective imprints in our public spaces. The bark bears traces of many hands. Individual marks are fused into a shared memory in which every contribution becomes part of the site’s narrative.
"}}],"title":"The Tree","publishDate":1777902236277,"properties":{"id":"OA2627","owner":"","address":"In the Svartån River by Wasabron","epoch":"","material":"Iron and aluminium","number":27,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2149688052,59.2735378741,0],"publishDate":1777902236277,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce7196b.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Tova Lilja & Emil Faisal Hasselberg, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.523ac55219e631884d613a/1779793822527/tr%C3%A4det.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Ur Svartåns vatten reser sig ett sju meter högt träd i metall. Grenar dansar i luften och löven skapar ett glittrande ljudlandskap i samspel med vinden. Skulpturen aktiveras av platsen och ljuden väcks till liv av rörelserna runt omkring. Verket är tänkt som en samlingsplats där form och ljud tillsammans skapar utrymme för medveten närvaro. I arbetet har stor vikt lagts vid manuella processer och materialets egen karaktär. I samarbete med konfirmander från Nikolaikyrkan har konstnärerna undersökt kollektiva avtryck i våra offentliga rum. Barken bär spår av många händer. Enskilda märken fogas samman till ett gemensamt minne där varje bidrag blir en del av platsens berättelse.
"}}]},{"name":"Utan titel (Så Vitt Jag Vet)","properties":{"id":"OA2620","owner":"","address":"Slottet","epoch":"","material":"Stål och sten","number":20,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2152583016,59.2739656293,0],"publishDate":1776865183783,"URL":"https://extra.orebro.se/4.5fd6cc4619d9a4aa5f7f44.html"},"artist":{"name":"Johan Ibrahim Adam","yearofbirth":1989,"publishDate":1748863475464,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1989, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11173/1777982926530/Johan%20Ibrahim%20Adam%20Press%20Image.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adams konstnärliga praktik har sitt ursprung i teckning och måleri och har expanderat till ett brett spektrum av discipliner, inklusive glasblåsning, textil, poesi, skulptur och performance. Att undervisa och utbilda andra spelar också en viktig roll i hans arbete, vilket han ser som en viktig del av sin kreativa resa.
Han är särskilt fascinerad av den fina gränsen mellan konst och hantverk – ett återkommande tema som löper genom hans praktik, oavsett om det är i form av måleri, skulptur eller digitala medier. Hans inspirationer hämtas från naturfenomen, vetenskaplig forskning, andligt tänkande och både historiska och politiska (miss)tolkningar. Genom att väva samman dessa olika intresseområden ställer han fiktion och verklighet mot varandra för att utforska livet både runt omkring och inom sig själv.
Och han gillar saker som glänser.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1989, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11173/1777982926530/Johan%20Ibrahim%20Adam%20Press%20Image.webp"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam’s artistic practice originates from drawing and painting, and has expanded into a wide range of disciplines, including glassblowing, textiles, poetry, sculpture, and performance. Teaching and educating others also plays a significant role in his work, which he views as an essential part of his creative journey.
He is particularly fascinated by the fine line between art and craft—a recurring theme that runs through his practice, whether in the form of painting, sculpture, or digital media. His inspirations are drawn from natural phenomena, scientific research, spiritual thinking, and both historical and political (mis)interpretations. By weaving together these diverse areas of interest, he juxtaposes fiction and reality to explore life both around and within himself.
And he likes things that shine.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam, sculpture
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b3c/1778240257152/s%C3%A5vittjagvetwebb.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"In the courtyard of Örebro Castle, a crystal chandelier lies on the ground. An object that normally hangs high above us, associated with power and historical splendour, has been brought down to the observer. What once signified hierarchy has become accessible and vulnerable. Johan Ibrahim Adam returns in his work to the crystal chandelier as a symbol of class and representation. In his art, he examines how materials and architecture carry built-in power structures. By using readymade objects with clear historical associations, he exposes how our common spaces are shaped by these narratives. What happens when a symbol of the powers that be is placed at our feet?
"}}],"title":"Untitled (Så Vitt Jag Vet)","publishDate":1778060673186,"properties":{"id":"OA2620","owner":"","address":"In the courtyard of Örebro Castle","epoch":"","material":"Steel and stone","number":20,"signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[15.2152583016,59.2739656293,0],"publishDate":1778060673186,"URL":"https://extra.orebro.se/4.73f273ca19dd7971ce71933.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Johan Ibrahim Adam, Skulptur
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.73f273ca19dd7971ce72b3c/1778240257152/s%C3%A5vittjagvetwebb.png"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"På borggården vid Örebro slott ligger en kristallkrona på marken. Ett föremål som vanligtvis hänger högt över oss, förknippat med makt och historisk prakt, har flyttats ner till betraktaren. Det som signalerar hierarki blir tillgängligt och sårbart. Johan Ibrahim Adam återkommer till kristallkronan som symbol för klass och representation. I sitt konstnärliga arbete undersöker han hur material och arkitektur bär på inbyggda maktstrukturer. Genom att använda readymade-objekt med tydlig historisk laddning synliggör han hur våra gemensamma rum formas av dessa berättelser. Vad händer när en symbol för överhet placeras vid våra fötter?
"}}]},{"name":"Vi ses vid grillen. Vi ses på stigen","properties":{"id":"OA26LA","owner":"","address":"Laxå, Tivedstorp","epoch":"","material":"","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[14.5934781006,58.7587112067,0],"publishDate":1779794190446,"URL":"https://extra.orebro.se/4.1efc047b19dd78569f1204b.html"},"artist":{"name":"Kristin Ylikiiskilä Broberg","yearofbirth":1989,"publishDate":1765522800391,"country":"se","contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"1986, Sverige
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11177/1777982928127/Kristin%20Ylikiiskil%C3%A4%20Broberg.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Det är i vardagliga objekt och företeelser som mina konstprojekt har sin början. Skolan, omklädningsrummet, skogen och elektricitet är några återkommande tematiker. Verken är ofta idébaserade och uttryck och material beror på plats och situation. Samtalen om och mötet kring är viktig. Ibland är samtalet i sig del av verket, ibland är det en ingång för att sätta igång min egen process. Intervjuer kan fungera som en metod att fatta estetiska val för slutresultatet. I gestaltningsprocessen ingår insamlande och användande av material som jag eller experter inom området tycker hör till logiken. För även om ingången ofta är teoretisk och text på ett eller annat vis är med så brukar konstverken i sig landa i något materiellt och rumsligt. Det kan vara installationer, videoverk, broderier, performance med hjälp av artefakter eller textverk.
Jag är född och sedan en tid verksam i Falun, Sverige. Min utbildning inom konst har jag bland annat fått på Konstfack i Stockholm, men i mitt konstnärskap har jag också användning av min utbildning inom pedagogik och didaktik samt textil och hantverk.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"1986, Sweden
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.1efc047b19dd78569f11177/1777982928127/Kristin%20Ylikiiskil%C3%A4%20Broberg.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"My art projects often begin in everyday objects and phenomena. The school, the locker room, the forest and electricity are some recurring themes. The works are often idea-based, and the expression and materials depend on the location and situation. The conversations around the work, and the encounter itself, are important. Sometimes the conversation becomes part of the work; sometimes it is a starting point that sets my own process in motion. Interviews can function as a method for making aesthetic decisions for the final result. In the artistic process, I collect and use materials that I, or experts in the field, consider to belong to the logic of the work. Even though the starting point is often theoretical, and text is present in one way or another, the artworks themselves usually end up as something material and spatial. They may take the form of installations, video works, embroideries, performances using artefacts, or text-based works.
I was born in Falun, Sweden, where I am also currently based. My artistic education includes studies at Konstfack in Stockholm, but in my artistic practice I also draw on my background in pedagogy and didactics as well as textiles and craft.
"}},{"name":"Text","type":"text","content":{"text":"Kristin Ylikiiskilä Broberg
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.e1b4aa019e62f4e33df5/1779794191731/KristinYlliskil%C3%A4%C3%A4Broberg_ViSesVidGrillenViSesP%C3%A5Stigen.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Artist Kristin Ylikiiskilä Broberg works with situations in which people activate her works themselves. She bases the works on everyday functions, things that already exist around us, and lets them become the starting point for new encounters. In Tivedstorp, the focus is on how we live in relation to nature. Simple structures take shape, rooted in the idiom of outdoor life: the temporary, the functional and that which is built to last and protect. In See You at the Grill, the shared barbecue site is examined as a social hub. In See You on the Trail, a path emerges in which people follow the markings and tramp along it together, step by step. The work changes over time. Traces of conversations and movements remain and continue to shape the place.
"}}],"title":"Vi ses vid grillen. Vi ses på stigen","publishDate":1779794618055,"properties":{"id":"OA26LA","owner":"","address":"Laxå, Tivedstorp","epoch":"","material":"","signlanguage":null,"soundfile":null,"coordinates":[14.5934781006,58.7587112067,0],"publishDate":1779794618055,"URL":"https://extra.orebro.se/4.e1b4aa019e62f4e33df7.html"}}],"contentNodes":[{"name":"Ingress","type":"text","content":{"text":"Kristin Ylikiiskilä Broberg
"}},{"name":"Bild","type":"image","content":{"alt":null,"src":"https://extra.orebro.se/images/200.e1b4aa019e62f4e33df5/1779794191731/KristinYlliskil%C3%A4%C3%A4Broberg_ViSesVidGrillenViSesP%C3%A5Stigen.jpg"}},{"name":"Brödtext","type":"text","content":{"text":"Konstnären Kristin Ylikiiskilä Broberg arbetar med situationer där människor själva aktiverar verken. Hon utgår från vardagliga funktioner, sådant som redan finns omkring oss, och låter dem bli utgångspunkt för nya möten. I Tivedstorp riktas blicken mot hur vi vistas i relation till naturen. Enkla strukturer tar form med rötter i friluftslivets formspråk: det tillfälliga, det funktionella och det som byggs för att hålla och skydda. I Vi ses vid grillen undersöks den gemensamma grillplatsen som social nod. I Vi ses på stigen uppstår en väg när människor följer märkningar och steg för steg trampar fram den tillsammans. Verken förändras över tid. Spår av samtal och rörelser blir kvar och formar platsen vidare.
"}}]}]}